Arturo Garibay

Alex Garland es un cineasta solvente, interesante. Como director nos ha dado películas discursivamente ricas como Ex Machina (auténtico filme de culto contemporáneo), Men: Terror en las sombras y la reciente Guerra Civil , así como la serie Devs . Como guionista, ha hecho lo propio en títulos como Nunca me abandones , 28 días después y la inminente secuela 28 años después . De ahí que resulte extraño que su más reciente opus WARFARE: TIEMPO DE GUERRA resulte ser una pieza magra, famélica en disertaciones y reflexiones; es una película técnicamente espectacular, eso que ni qué. Pero así como te revienta las pupilas, es frívola en igual medida.
Una vez asentado que la cinta presume una puesta en cámara deslumbrante —la cinefotografía de David J. Thompson, el diseño de producción de Mark Digby y el trabajo del equipo de sonido tienen nivel de galardón—, queda claro que WARFARE: TIEMPO DE GUERRA es un caramelo audiovisual sumamente violento, feroz y apantallante.
El elenco es otro de sus acentos, todos lo hacen muy bien. El filme nos ofrece una colección de los jóvenes rostros masculinos que buscan ser el Hollywood del futuro: Joseph Quinn, Will Poulter, Kit Connor, Noah Centineo, Charles Melton, Michael Gandolfini, Cosmo Jarvis y varios más. La “coralidad” interpretativa es palpable.
En la trama, un grupo de soldados estadounidenses sufre una emboscada en Irak. El guion está construido a partir de las memorias de dichos soldados en medio de la batalla, ciñéndose estrictamente (sin agregar nada, aparentemente) a lo que cada soldado recordaba sobre la situación límite que vivieron. Esto es lo más propositivo del filme.
Dicho todo lo anterior, queda claro que para los codirectores —el cineasta Alex Garland y el consultor militar/asesor de stunts Ray Mendoza— WARFARE ha sido un retador ejercicio de estilo. Han logrado un relato que se siente inmersivo en lo plástico y con imágenes estrujantes. Pero, ¿para qué?
El problema de WARFARE es que parece una película sin postura, sin punto de vista desde la realización; a veces se siente vacía, de mirada fría, llena de estridencias y gritos, sin desarrollo de personajes. Su valor estribaría, quizás, en el uso como materia prima de los recuerdos de aquel grupo de soldados reales durante una misión real. Pero, de nuevo: ¿con qué propósito? ¿Aspirando a qué en estos tiempos convulsos y belicosos que nos ha tocado vivir?
Mientras Guerra Civil (por ejemplo) rebosaba discurso y motivación, WARFARE es un triunfo de la forma sobre el fondo, un lujoso ejercicio de rodaje, muy vistoso, entretenidísimo, pero que también es un disparo al aire. En el aquí y el ahora, una película como esta, sin pronunciamiento alguno sobre la guerra, su significado, su propósito, su impacto en el humanismo, sus heridas y/o su impacto en nuestra relación con la otredad, es un despropósito. ¿De qué sirve la neutralidad de la película? ¿Qué abona?
Si vas por los puros balazos (y de esos, creo yo, ya tenemos muchos) o por el espectáculo audiovisual, seguro que la peli te tendrá al borde de la butaca, sobre todo en su segunda mitad. Pero si estás buscando una pieza que diga algo, solo encontrarás ruido blanco, estática. WARFARE es la película de Garland más osada técnicamente, pero la más floja en alma e intención.

Arturo Garibay – el cine que somos

Warfare: Explosiva, estridente… pero sin beligerancia

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El año pasado, el cineasta portugués Miguel Gomes se alzó con el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes gracias a Grand Tour , un drama histórico —y también filme de aventuras— bellamente filmado en celuloide. El relato es una odisea transcontinental por distintos puntos de Asia, mezclando imágenes del presente rodadas en locación con escenas de época que se grabaron en estudio en Italia.
Seleccionada por Portugal como su representante rumbo al Óscar (aunque no lograron la nominación), Grand Tour se erige así como un wanderlust fílmico e hipnótico para cinéfilos recalcitrantes, para los más irredentos amantes del cine de arte.
El magnífico —pero también confrontativo, retador— opus de Gomes está estructurado como una suerte de díptico cinematográfico: en la primera mitad conoceremos a Edward, un hombre que decide abandonar a su prometida —Molly— justo cuando están por casarse. Es así que inicia un viaje de ¿autodescubrimiento? ¿De cobardía? ¿De aflicción indefinible?
En la segunda mitad veremos un cambio de punto de vista y descubriremos que Molly ha decidido rastrear a su amado, convencida de que la boda sigue en pie. Ella cree que va pisándole los talones, pero en algún punto tendrá que decidir si sigue la ruta del hombre que la dejó o si toma su propio camino. ¿Qué es más importante: que una promesa se cumpla o que un nuevo deseo se concrete?
Es interesante la manera en que ambas líneas argumentales se relacionan. Para mí, el filme crece y adquiere su significado a partir de que el relato de Molly entra en juego. En el arco de Edward nos encontramos con una pieza “imprecisa”, siguiendo a un hombre que parece emocionalmente constipado o, al menos, consumido por sentimientos erráticos que le llevan al autoexilio. En este punto, es natural que el espectador sienta que la película no va a ninguna parte, incluso si uno está intrigado por lo que ve.
Pero cuando Molly aparece, todo cobra sentido. El trayecto de la chica es el de la convicción, el del plan irrompible. Es ella, en su búsqueda, la que da sentido y corpulencia al trayecto de Edward. Entonces todo cobra sentido: la complejidad de Edward y la simpleza cándida de Molly bordan el flujo de la historia (y de la Historia, con &#8220;hache&#8221; mayúscula, como recurso de Gomes para crear un telón de fondo anacrónico).
De contextura isotópica —pues repasamos un &#8220;mismo&#8221; trayecto con ambos personajes—, Grand Tour es intrigante, confusa (en el mejor de los sentidos) y arriesgada. La relación entre el tiempo narrativo y los espacios fílmicos es tan caprichosa como rica.
Como nota para el cinéfilo incorregible, yo no podía dejar de pensar en la Sans Soleil de Chris Marker mientras veía la película: hay mucho del puzle audiovisual de aquel clásico de 1983, donde comulgan las imágenes de carácter documental con las de ficción.
En fin, si te gusta imponerte retos audiovisuales y experimentar del cine más allá de las convenciones comerciales, Grand Tour es exquisita, experimental, poética y autoral. Y, además, una colección de postales para hechizar las pupilas.
Prepárate para experimentar una desconcertante aventura de desplazamiento donde el drama introspectivo y la comedia romántica iban a casarse&#8230; ¿lo harán?

“Grand Tour” es Cine con “c” mayúscula

Hoy no vengo a opinar, como de costumbre. Hoy vengo a aportar una guía de películas de temporada. En los últimos días he sido asaltado —es un decir— por muchos mensajes vía DM en mis redes, donde la gente me ha preguntado dónde van a poder ver las películas típicas de las semanas Santa y Pascua. “Arturo, ¿dónde puedo ver Ben-Hur?”. “¿O la de Los 10 Mandamientos?”. “¿Quo Vadis?”. En fin. 
Así que pienso zanjar el tema en esta columna para no estar contestando cada DM en particular. Chequen nomás estos clásicos de temporada que pueden verse en streaming y, además, los dos estrenos para pantalla grande que justo han llegado a los cines.
EN CASA
Ben-Hur 
La épica de Hollywood dirigida por William Wyler y protagonizada por Charlton Heston. Ganó 11 premios Óscar, lo cual sigue siendo el récord histórico, el cual comparte con LOTR: El Regreso del Rey y Titanic (otra peli muy vista en Semana Santa, sabrá Dios por qué). 
Disponible en Max.
Quo Vadis 
Clasicazo nominado a ocho premios Óscar, con Robert Taylor y Deborah Kerr. Disponible en Prime Video (renta digital).
Los 10 mandamientos 
Otra con Charlton Heston, ganadora del Oscar a los Mejores Efectos Visuales. Disponible en Prime Video (renta digital). 
Jesucristo Superestrella 
Psicodélica adaptación del musical de Andrew Lloyd Webber. Si lo tuyo son las versiones más “tradicionales” del relato bíblico, entonces no es para ti. Disponible en Prime Video (renta digital).
Jesús de Nazareth 
El corte en formato de miniserie de este clásico de Franco Zeffirelli está disponible para verse de forma gratuita. La imagen de Robert Powell como Jesús sigue siendo icónica. Disponible en Plex, sin costo.
YA EN EL CINE
El Rey de Reyes 
No confundir con la película de 1961 en la que Orson Welles prestaba su voz como narrador. Esta nueva película es una pieza animada de Angel Studios (los mismos de Sonido de libertad ) y nos cuenta la historia que ya todos sabemos, pero con un ángulo distinto: el escritor Charles Dickens tiene que narrarle un cuento a su hijo para irse a dormir… y decide contarle la historia de Jesús. El reparto de voces en inglés es lujosísimo e incluye a Kenneth Branagh, Uma Thurman, Mark Hamill, Pierce Brosnan, Forest Whitaker, Ben Kingsley y Oscar Isaac. Ya veremos qué tal está.
The Chosen 5 
La quinta temporada de The Chosen está a la vuelta de la esquina. Mientras llega su lanzamiento en streaming , los dos primeros capítulos de la nueva temporada se han estrenado en cines, por si te los quieres echar en pantalla grande. La peculiaridad es que el relato al fin ha avanzado hasta abordar uno de los momentos más icónicos del relato de Jesús: la última cena. Yo no soy fan, pero sé que muchos de ustedes sí.

Las de “Semana Santa”

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La semana pasada en la columna que titulé “Cines del mundo… ¡unidos!”, hablaba sobre la flamante identidad de Cinema United, un organismo global que reúne a más de 60,000 pantallas de cine de todo el mundo para trabajar en pos de un objetivo común: que la gente vaya más —o vuelva— a las salas de cine.
Ahora que llevo varios días en Las Vegas, cubriendo la CinemaCon (la convención que celebra el acto de “ir al cine”), he notado que algunos temas han sido recurrentes entre los dueños de las salas de cine, muchos de los cuales forman ya parte de Cinema United. Por eso quiero usar este espacio para reflexionar sobre algo muy concreto que se ha puesto sobre la mesa. Los exhibidores han dicho: “queremos más películas”.
¿Cuál es la lógica tras dicha petición? Hoy la cantidad de películas que llegan a los cines (anualmente) es 25% menor y, según un estudio, la taquilla ha bajado en un 30%. Pareciera que hay una correlación: menos pelis, menos ingresos. Pero creo que hay que mirar este número con cierta cautela. ¿Es mejor tener más películas o mejores películas? Dijo Eduardo Acuña, ejecutivo de la cadena Regal: “¿por qué no ambas?”.
A ver, les cuento mi parecer: los exhibidores piden a los estudios —grandes o independientes— que los alimenten de más películas. Yo tengo que disentir en algo que creo que es crucial: la cantidad es importante, sí, para tener películas nuevas qué programar a lo largo de todo el año, pero existen dos cosas más relevantes que la cantidad: la calidad y la variedad.
Antes que más películas necesitamos mejores películas. Sé que esto es subjetivo, lo que para mí es una buena peli no lo será para otra persona, pero si la gente encuentra en el cine experiencias narrativas que le “llenen” de manera recurrente, bien podría hacer del cine un hábito.
En cuanto a la variedad, todos estamos de acuerdo —creo— en que no todo es “franquicias” en este mundo. Las películas “medianas” y “pequeñas” (por su tamaño de producción, no por su calidad) también tienen un nicho, desplazan a cierto público al cine, y es un público que puede ser muy fiel. Una cartelera surtida enriquece al público y al negocio: géneros diferentes, intenciones narrativas diferentes, cultura para todos.
Otra petición en el contexto de “más películas” incluye las palabras “más eventos”. Además de más películas, los cines quieren más películas que tengan la cualidad de ser percibidas como “eventos”, como un gran acontecimiento imperdible.
Suena bien, pero hay que definir lo que un “evento” fílmico debería ser. Primero, creo que es necesario que la industria entienda que “película-evento” no significa Marvel ni superproducción.
En los últimos meses, pelis pequeñas como Flow, Memorias de un caracol, La sustancia o Anora han probado ser “eventos” sin ser películas Marvel o de franquicia. Una película es un “evento” en la medida en que la gente siente la necesidad de ver ese relato en la pantalla grande porque algo le hace sentir que en él encontrará una conexión particular, porque cree que la pieza en cuestión es importante para satisfacer su necesidad de entretenimiento, o para ejercerse como ser social, o para escapar, o para alimentar su cinefilia, o para nutrirse, o para sentir o para soñar, o para acercarse a un mundo que no es el suyo. En fin.
Un evento no es intrínsecamente una película de Hollywood, también puede ser esa película mexicana que es importante que todos veamos por lo que dice o propone. Cada película, pequeña o grande, es un “evento” para alguien. Hay que tratarlas a todas con dignidad e inteligencia para que funcionen durante su paso por la cartelera.
Al final, creo que hay que expandir la idea de “más películas” y decir que los cines necesitan más, mejores y variadas películas: de todos los géneros, para todos los públicos e intereses, de todos los tamaños, para entretenernos o para edificarnos. Las películas no son meramente “contenido” (horrenda palabra), no deben ser usadas para rellenar espacios de programación y nada más. Si pides “más” tendrás toda la parrilla de la cartelera llena de títulos, pero sólo eso. Si pides calidad y variedad, tendrás “valor” que ofrecer a las audiencias. Y las audiencias reaccionarán en consecuencia: visitando los cines.

¿Más películas? ¿Mejores películas?

Maletas, boletos de avión, pasaporte… todo está listo. Del 31 de marzo al 3 de abril se celebrará la edición 2025 de CinemaCon, la convención que reúne a los dueños de las salas de cine (es decir, los exhibidores) con los estudios, concesionarios, empresas tecnológicas para celebrar la experiencia de ir al cine. Y están las estrellas de cine. Y como cada año, ahí estaré.
A diferencia de otras convenciones que han asumido un rol prioritariamente mediático y popular (por ejemplo, la ComicCon), CinemaCon es un evento a puerta cerrada, sólo para profesionales de la industria fílmica. El propósito es siempre el mismo: evaluar y reflexionar en qué condiciones se encuentra la industria de la exhibición. No es ningún secreto que, desde la pandemia, el camino ha sido cuesta arriba para las salas de cine.
Una de las principales novedades de este año es el debut de un nuevo organismo global: Cinemas United. Dicha institución está integrada por 31 mil pantallas ubicadas en los Estados Unidos y 30 mil más esparcidas por el resto del mundo, sumando a las grandes cadenas y a los cines independientes.
“Cinemas United es una celebración de quienes somos como industria y más importante aún, de hacia dónde vamos”, afirmó Michael O’Leary, presidente del organismo con sede en Washington. El grupo concentrará a salas de cine de todas las latitudes y tamaños para consolidar estrategias, intercambiar inteligencia y articular proyectos que fortalezcan el ritual fílmico, que alimenten en el gran público las ganas de volver —o de seguir yendo— al cine. Es más, la coalición ha asumido como mantra la frase: “Ir al cine es nuestra misión”.
Pero Cinemas United no es un organismo nuevo, sino renovado: hasta el año pasado era conocido como la National Association of Theatre Owners (NATO). El nuevo mote le da, sin duda, una identidad más internacional.
La flamante Cinemas United ofrecerá charlas durante CinemaCon como la que se titulará “Perspectivas diferentes, una misma meta”, donde participará el CEO de Cinépolis, Alejandro Ramírez, así como conversatorios sobre cómo mejorar la experiencia del público que va al cine, las tendencias de consumo de la generación Z, lo más nuevo en tecnología de proyección, el catálogo de próximos estrenos comerciales que los estudios pondrán a disposición de los cines, la importancia de los productos que se ofrecen en dulcería (incluyendo los coleccionables) y mucho más.
Los esfuerzos de los exhibidores se verán arropados por la presencia de figuras prominentes del medio fílmico: Lindsay Lohan, Channing Tatum y Ana de Armas, entre otros. Glen Powell y Colman Domingo participarán en un conversatorio donde compartirán sus impresiones sobre el acto de “ir al cine” desde la óptica de la comunidad creativa.
Dicho lo anterior, asisto a la CinemaCon con un deseo: que más allá de las medidas de carácter logístico, económico y tecnológico, los miembros de la industria abracen a los cines como espacios que construyen cultura y sociedad, como ventanas insustituibles para regenerar el raído tejido que nos conecta como seres humanos. Que recuerden que no sólo vamos al cine a divertirnos y a consumir, sino a ejercernos (o activarnos) como entes que tienen un apetito social y cultural, que sentimos y soñamos.
Hay quien se pregunta: ¿por qué los deportes y los conciertos ya se recuperaron, mientras que el cine sigue “batallando” o, de menos, avanzando más despacito? ¿Qué falta en esta trinchera? ¿Se dirá algo al respecto durante la CinemaCon?
Un estudio de la Global Cinema Foundation liberado hace pocos días, reveló que el 72% de los encuestados piensan que “ir al cine” es un gasto que justifica su precio, que es dinero bien gastado. ¿Entonces?
Que comemos palomitas, es cierto, pero lo que nos nutre es la aventura de observar al otro (otros seres, otros mundos, otras realidades, otras posibilidades) a través de la pantalla grande. A lo mejor la mesa ya está puesta (tenemos los espacios, los cines) pero nos falta acordarnos de que el acto fílmico es más que un acto comercial: es un acto humano como ningún otro. Recuperémoslo juntos.

Cines del mundo… ¡unidos!

El término nepo baby ha cobrado relevancia en el cine —y en otros entornos creativos/sociales— para definir a aquellos individuos que, al ser hijos de una celebridad, se habrían visto beneficiados por las conexiones de sus padres para abrirse camino profesional. En la era del hate , muchos han usado el “nepobeibismo” como una excusa para vilipendiar el camino ascendente de algunas de las nuevas estrellas de cine, sin distinguir a quienes tienen talento de quienes no.
Pongo lo anterior en contexto porque hoy toca hablar de Novocaine: Sin dolor —la más reciente comedia de acción hollywoodense—, un largometraje que tiene a dos nepo babies como protagonistas: Jack Quaid (hijo de Meg Ryan y Dennis Quaid) y Ray Nicholson (hijo de Jack Nicholson). Para nuestra fortuna, ambos forman parte del grupo de los talentosos. Tanto así, que logran que una comedia resultona, boba, bien entretenida pero también inconsecuente, les sirva como vehículo para mostrar que tienen los recursos histriónicos suficientes para hacerse de un nombre propio, más allá del tamaño de sus respectivos apellidos.
Quaid y Nicholson son más que nepo babies . No son del montón. A Quaid lo hemos visto hacer su magia en The Boys y la quinta película de Scream . Ya tiene un tramo recorrido. A Nicholson lo vimos en Smile 2 y Panic , se nota que tiene con qué pelear. En ambos casos, es cierto que su reto actoral importante aún está por venir. 
Volviendo a Novocaine , Quaid hace de héroe en este relato hiperquinético y divertido, mientras que Ray Nicholson es el antagonista. El público encontrará una pieza absurda donde los hematomas, las fracturas expuestas y las heridas supurantes son parte de la aventura.
Nathan Caine (Quaid) es un tipo bonachón que trabaja en un banco. Padece de un síndrome extraño, una condición médica que no le permite sentir dolor físico por golpes, cortaduras, ni por ninguna otra clase de lesión o traumatismo. Nada le duele. Su vida monótona dará un vuelco cuando su sucursal bancaria sea asaltada y la chica que le gusta sea tomada como rehén. Es así que Nathan iniciará una odisea para salvarla de las garras de Simon (Nicholson), el líder de los ladrones, un tipo indolente que parece ser el opuesto perfecto de Nathan: mientras nuestro protagonista no siente ninguna clase de dolor físico, el villano parece incapaz de sentir en el terreno emocional.
Novocaine: Sin dolor es una experiencia ñañarienta —sí, muchas de sus imágenes te darán ñáñaras si eres de los que se retuercen hasta por un raspón— sobre la insensibilidad, sobre la indolencia. Los personajes verán cómo la incapacidad para asumir los procesos de dolor los vuelve seres humanos que no alcanzan a ser todo lo que podrían.
No, el dolor no se siente chido , pero es una de las herramientas que nos permite articular nuestro paso por la vida. ¿Cómo logran nuestros personajes vivir una vida sin dolor, desprovistos de ese rasgo tan humano? Siendo personas inacabadas. 
De una manera muy chabacana, Novocaine reflexiona sobre el miedo a vivir, sobre lo importante que es “echarse al clavado” y entrarle a la existencia a tope, aunque uno salga magullado.
Novocaine es una película palomera en bien. Me imagino que, con una puesta en cámara más inspirada, pudo haber dado para ser película de culto. En fin, con lo que tiene le alcanza para complacer al gran público que busque una experiencia accesible, para disfrutar en las salas de cine.
Novocaine: Sin dolor es un estreno de Paramount Pictures

Novocaine: Batalla de nepo babies

En la filmografía del realizador Steven Soderbergh figuran importantes títulos del cine estadounidense —comercial e independiente— de los últimos 35 años. Su catálogo incluye Sexo, mentiras y video, ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1989, Un romance peligroso (1998), Erin Brockovich (2000), Tráfico (2000), La gran estafa (2001) y sus secuelas, Contagio (2011), Magic Mike (2012), Logan Lucky (2017) y Kimi (2022), entre decenas más. Decir que es un director prolífico sería una redundancia.
Su variopinta obra se ve coronada con dos nuevos estrenos que, de manera simultánea, se encuentran hoy en la cartelera de cine: Código negro y Presencia. El primero, un thriller político y marital; el segundo, una película de fantasmas que también es melodrama doméstico e, incluso, cine de maduración. Ambos filmes no sólo comparten director, sino también guionista: David Koepp, el hombre detrás de los libretos de Jurassic Park (1993), La habitación del pánico (2002) y Spider-Man (2002).
En Código negro, el director ganador del Oscar® nos cuenta la historia de un matrimonio de espías. Esta dupla de agentes de inteligencia entrará en crisis cuando ella (Cate Blanchett) sea sospechosa de traición a la patria. Ante eso, él (Michael Fassbender) tendrá que decidir a quién le entregará su lealtad: a su mujer o a su país.
La trama suena intrigante, lo sé, pero también podría parecer ceremoniosa, intensa. Empero, el cineasta —gran experto en tonalidades dramáticas— se las apaña para que en la cinta convivan el thriller político, el drama matrimonial y hasta la comedia de humor negro. Código negro funciona como una película de espionaje fina, parsimoniosa pero magnética, de lenguaje audiovisual maduro y consistente, en la que no sólo se entreteje una peligrosa intriga internacional, sino que también hay chismecito marital.
Soderbergh acompaña su elegante puesta en cámara con un elenco coral impecable: Blanchett y Fassbender hacen, como siempre, su magia. Son actores de gran fortaleza histriónica, premiadísimos. En tanto, Marisa Abela, Tom Burke, Regé-Jean Page, Naomie Harris y Pierce Brosnan aportan lo propio con entereza y convicción. Interpretativamente, es un espectáculo sofisticado para deleite del público, en especial el más exigente.
Quepa añadir que Blanchett y Fassbender aparecen a cuadro haciendo derroche de glamour en cada toma. Es evidente que Soderbergh quería que sus dos protagonistas parecieran estrellas de cine a la vieja usanza: distinguidos, impecables, seductores, abrumadoramente sexys, pues el cine de espías clásico (al estilo Hollywood) suele tener su carga inherente de sensualidad.
En otro tenor —reitero mi comentario respecto a que Soderbergh es un experto en tonalidades fílmicas y un explorador de géneros— aparece Presencia.
El filme es, en la superficie, una película de terror que se circunscribe a la tradición del cine de “casas embrujadas”. El giro soderberghiano radica en el hecho de que la película no utiliza el miedo como motor, sino la incógnita, la incertidumbre. Lo que descoloca no es el espanto, sino la duda que rodea a la entidad fantasmagórica que podría acosar a los protagonistas.
En Presencia (y como dicta la tradición), una familia se muda a una nueva casa. Conforme pasen los días, comenzarán a ocurrir eventos inexplicables que les llevarán a cuestionarse si están solos o no. En el epicentro estará Chloe, la hija, quien recientemente perdió a una amiga suya en un evento trágico.
Filmada con tremenda economía visual (la película tiene apenas 35 tomas), esta pieza expande sus alcances rápidamente: vemos que, dentro de su fantasía, retrata la disfuncionalidad familiar, así como el descuido y la desestimación de la salud mental. El resultado es singular, pues estamos ante una pieza fantasmagórica que recorre los caminos de la tristeza, la tragedia y la reconciliación.
La otra cosa sustancial del relato es el uso de la cámara. Steven nos sugiere (con los movimientos y emplazamientos) que la cámara es la vista subjetiva de la “presencia”, del espíritu que habita esa casa. Sin embargo, es mucho más que eso. En una película tan minimalista en términos de edición, el trabajo de cámara se convierte en el brazo musculoso que posibilita el trabajo del director. Presencia es, por tanto y por sobre todas las cosas, un ejercicio interesantísimo de montaje interno.
En fin, Soderbergh lo hace de nueva cuenta. ¿Ninguna de las dos piezas entrará al top de su filmografía? Es cierto, pero eso no demerita lo que el polifacético realizador propone en sendos largometrajes. Si eres un cinéfilo recalcitrante y el lenguaje fílmico despierta tu fascinación, estas dos piezas se tienen que ver.

Soderbergh: Función doble

El mundo se desmorona y el cineasta sudcoreano Bong Joon-ho lo sabe. Su flamante opus, titulado Mickey 17, se erige como una comedia negra y tanatológica de ciencia ficción que habla más sobre el mundo presente que sobre el futuro.
El filme nos recuerda que la mejor ciencia ficción es —y siempre será— la que funciona como espejo cósmico, pues nos permite observarnos en porvenires probables, posibles o imaginados; y al mismo tiempo, a través de su universo inventado, nos ayuda a reflexionar sobre quiénes somos y en lo que se ha convertido la sociedad del ahora.
El mundo se está yendo al garete, así que Mickey Barnes (Pattinson) se suma a la tripulación de una nave espacial que tiene como objetivo colonizar algún planeta donde el ser humano pueda prosperar. El problema es que Mickey —por pura torpeza— se ha ofrecido para un trabajo ingrato: morir por la raza humana. Cada vez que muere, la consciencia de Mickey es transferida a un cuerpo idéntico al suyo, producto de una máquina que “imprime” seres humanos. Ahora, su vida (y sus cuerpos) están al servicio de la agenda de un extravagante y atolondrado político. 
Este lujoso largometraje (se filmó con unos $120 millones de dólares) reflexiona sobre los venenos de la tiranía y los desplantes del tirano, sobre la condición circense de la política actual, sobre la pequeñez humana en contraposición con el mundo natural, sobre las muchas voces internas que nos hacen desdoblarnos a lo largo de la vida hasta que, con suerte, logramos convertirnos en la mejor versión de nosotros mismos.
Es, también, una pieza sobre el territorio bangsiano por el cual transitamos a ciegas en esta era que nos tocó vivir. A cada paso, la muerte nos rodea. 
Empero y a pesar de ser una película sumamente —sanamente— política, Mickey 17 no olvida el espectáculo ni el entretenimiento. El director de Parásitos utiliza la musculatura del cine de Hollywood para hacer llegar su mensaje, lo que nos lleva a disfrutar, también, de una cinta comercial, divertida y estridente, un espectáculo de cabo a rabo.
Huelga decir que la pieza está llena de aciertos estéticos: la cinefotografía es del ya icónico Darius Khondji (Bardo, Amour) y el diseño de producción es de Fiona Crombie (La favorita, Cruella). En la parte visual, no tiene desperdicio.
En lo interpretativo, no hay sorpresas: Robert Pattinson vuelve a dar muestra de su enorme registro actoral, interpretando múltiples versiones de un mismo personaje. Es un camaleón y, que no quepa duda, es uno de los mejores del oficio histriónico en el aquí y el ahora. En tanto, Mark Ruffalo y Toni Collette cumplen más allá del deber al darle vida a la pareja despótica de la trama. 
¿Recomendada? Recomendadísima. ¿Entretenida? Entretenidísima. Bong Joon-ho entrega en Mickey 17 una sólida comedia social, ambiental y humanista, un relato que nos dice que hay mucha vida más allá del capital y, sobre todo, gracias a lo que individuo y comunidad aportan al tejido social.

Todos somos Mickey 17

Mirza Flores

La 4T: de la regulación a la censura

Juan Pablo Colín

Primero el INAI, ahora las telecomunicaciones

Jonás

El gobernador mantiene la apuesta en Teocaltiche

Mi pecho no es bodega

Hiram Espinoza de los Monteros

Lo que diga la FGR…

La periodista japonesa Shiori Itô decide investigar la violación de la que ella misma fue víctima en el largometraje documental Black Box Diaries , por el cual recibió una nominación al Oscar. La pieza compitió también en Sundance y SXSW, y recogió el premio de Derechos Humanos en CPH:DOX, uno de los festivales de cine documental más importantes del planeta.
En 2015, Itô fue abusada sexualmente por un periodista cercano al entonces primer ministro de Japón. Tras denunciar el crimen, descubrió que el sistema de su país desestima la credibilidad de las víctimas, crea un entorno favorable al acusado y, casi por default, arroja a las poquísimas denunciantes a la revictimización. Pero las fisuras en la justicia nipona no son exclusivas de aquel sistema legal; lo que vemos en este filme se replica en otras partes del mundo todos los días, de ahí la resonancia que ha tenido.
Black Box Diaries se consolida como una pieza audiovisual interesante y bien lograda como documental gracias a que Itô logra cruzar el rígido umbral periodístico —el de la nota dura, los hechos— para perfilar su relato en primera persona hacia la experiencia humana —en lo social y emocional— de una mujer que navega contra el sistema y el entorno cultural en pos de justicia.
Itô logra sacudirse las muletillas periodísticas (por lo general, los &#8220;documentales&#8221; de periodistas suelen ser fríos y más cercanos al lenguaje del reportaje que al del cine). Black Box Diaries trasciende sus hechos, se construye de manera humanista y explora su frustrante y traumático relato con sensibilidad. 
La realizadora, además, sale airosa al jugar un doble papel: el de periodista, investigadora y catalizadora, y el de la mujer que busca justicia. Pero Black Box Diaries no es un relato esquizofrénico con una protagonista que se desdobla o que cambia de personalidad a capricho; es, en todo caso, un filme donde una misma mujer apela a sus recursos emocionales y profesionales para traer visibilidad al crimen del que fue víctima.
Huelga decir que el caso de Itô fue sustantivo en la consolidación, primero, del fenómeno #MeToo en Japón, para después trascender dicha etiqueta mediática y consolidarse como una de las banderas de un cambio legal, social y cultural que sigue sin cristalizarse del todo en muchas latitudes. 
Black Box Diaries está ya disponible en Filmelier+, no te lo vayas a perder.

Una historia muy personal