Arturo Garibay

El monero Jis es el mejor referente que tenemos sobre lo que significa crear fuera de los márgenes. En la era de &#8220;lo correcto&#8221;, de la ascensión de los nuevos puritanismos, en los tiempos del neoconservadurismo, del &#8220;eso no se puede&#8221;, del &#8220;eso no se vale&#8221;, de la inmolación del humor, de la satanización de la comedia corrosiva, del miedo a la incomodidad y de las cancelaciones a destajo… sí, en el mundo que vivimos hoy, el arte de Jis nos recuerda la importancia de la transgresión, de la desfachatez y la &#8220;indecencia&#8221;, de la belleza de lo imprevisible y lo visceral.
Molusco es el título del largometraje documental de Mauricio Bidault que gira en torno a la figura de Jis. Y un poco más: nos habla sobre &#8220;la transgresión como valor&#8221;, en palabras del director. El filme tendrá su estreno mundial en el marco del FICG 40 (con una única función ya agotada) y, por tal motivo, hace unos días charlé con Bidault al respecto.
La conversación que tuvimos sobre Molusco me dejó claro algo que ya sabía (pues pude echarle un ojo a la peli durante su postproducción y sus primeros cortes): que no estamos frente a un documental convencional, esto debido a que su protagonista no es convencional.
Estamos ante una película íntima, sí, pero también de opiniones desbordadas, libres y orgánicas, que hace un zoom in profundamente personal a Jis, y que, además, es colectivamente reveladora. Una obra que elige no trazar el retrato del monero desde los datos duros, sino desde la rara sustancia de su mundo interior. Y, sobre todo, a partir de lo que significa Jis para quienes hemos tenido contacto con su arte.
Y es que intentar entender a Jis desde el archivo es, me dijo Bidault, &#8220;imposible&#8221;. Coincido. Su universo —poblado de criaturas viscosas, gags escatológicos y disrupciones poéticas— no se deja atrapar por las rutas cronológicas, ni por la biopic de fórmula, ni por el método académico. De ahí que el director proponga una ruta inversa. Molusco nos cuenta a Jis de dentro hacia afuera. El reto es monumental: este documental intenta filmar no su biografía, sino su cosmovisión.
Poblado en igual medida de voces reconocidas (Guillermo del Toro, Diego Luna, Giménez Cacho, los Tacubos) y de voces cercanas a la vida de Jis (su esposa, Trino), el documental consigue enunciar qué es lo que sentimos frente a la obra de Jis; dichas personas, al verbalizar la relación personal, cultural y/o emocional que tienen con él, consiguen expresar lo que todos pensamos: que a Jis, cuando lo lees, lo estás viviendo y experimentando.
Más interesante aún resulta el hecho de que Jis sirve para reflexionar sobre la libertad de expresión y la pulsión creativa. La libertad que molesta. La que se hace preguntas. La que expresa las cosas que, quizá, sería mejor dejar en el cajón. Cuando la transgresión es pecado, el documental reivindica a un autor que, desde su trinchera dibujada, nos recuerda que el arte no pide permiso. Que qué chido es &#8220;no encajar&#8221;. Que qué necesario es el humor, sobre todo el más delirante.
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Arturo Garibay – el cine que somos

Molusco, el documental de Jis, extiende sus tentáculos

Nos gustan las historias del fin del mundo. Año tras año repensamos los escenarios de la catástrofe definitiva. Y este 2025 no ha sido la excepción, pues para antes de que termine la primera mitad del año, al menos en tres ocasiones habremos vivido el postapocalipsis; ya lo hicimos en El Eternauta y la segunda temporada de The Last of Us , y volveremos a hacerlo a finales de junio en la película 28 años después , de Danny Boyle.
Si revisitamos el fin de la civilización desde la ficción, no es porque seamos catastrofistas (bueno, un poco sí somos) o porque tengamos fijaciones bíblicas (bueno, en las culturas judeocristianas, sí). Es porque la ficción es un recurso &#8220;seguro&#8221; para explorar nuestras preocupaciones. Es, también, un síntoma (no la enfermedad) de la era que nos ha tocado vivir: si nos hemos obsesionado con los cataclismos es porque hemos acumulado desesperanza y queremos comprender qué nos ha traído a este punto. Cuando las ficciones en cuestión son buenas, su impronta no es sólo de derrota o congoja, sino una invitación a la reflexión catártica.
La ficción apocalíptica en el cine y la televisión nos sirve para reconciliarnos con la esperanza, para revisar los claroscuros del comportamiento humano y lo que hemos sembrado en nuestra cultura. 
En este último aspecto encontramos, por ejemplo, temas como los privilegios del individuo por encima del provecho colectivo, algo que se revisa tanto en
El Eternauta como en The Last of Us . Cuando los personajes piensan en sí mismos (algo muy predicado por los gurús de las redes sociales: “sólo importas tú”), todo empieza a irse al garete: no es sino hasta que los personajes empiezan a mirar al otro —a la otredad— y a pensar en quienes les rodean que las cosas parecen enmendarse y que, de paso, encuentran la plenitud para sí mismos. En ambas series, también, el rescate de la idea de comunidad ayuda a crear espacios donde se puede vivir seguro después de la hecatombe. Donde puedes ser “uno” y ser “con otros” al mismo tiempo. Quien va solo se la pasa tirando volados.
Las narrativas del fin de los tiempos también nos invitan a sumergirnos en las ansiedades del aquí y el ahora. Están ambientadas en entornos distópicos, pero dialogan con los temas de nuestro cotidiano: las pandemias, las invasiones militares, los genocidios, la ascensión del neoconservadurismo y otras radicalidades sociopolíticas, la extinción del género humano y su cultura, la opresión, el cambio climático y el desprecio a la agenda medioambiental, la ausencia y/o [híper]presencia de la tecnología. Y mucho más. Las historias pasaron de enfocarse en la ansiedad nuclear (como las que veían los papás y abuelos) para ambientarse en los horrores de nuestros tiempos.
Las historias apocalípticas y postapocalípticas son un entretenimiento muy consumido, altamente popular, es cierto. Pero pueden, si lo permitimos, no ser un entretenimiento vacío. Pueden decirnos mucho si vemos más allá del espectáculo y abrazamos su propósito cultural: hacernos preguntas y conversar nuestras respuestas.

Otra y otra… y otra vez el fin del mundo

Tom Cruise es la estrella de cine más grande de la actualidad. Ni duda cabe. El mundo entero lo conoce. Su carisma es brutal. Es el gran maestro de las relaciones públicas y el actor más osado de las películas de acción. Y es gracias a su star-power que Misión: Imposible &#8211; La sentencia final (octavo y presuntamente último largometraje del actual arco narrativo de Ethan Hunt) sale a flote, sobreponiéndose a situaciones y decisiones creativas que en otras películas serían fatales.
Dicho esto, para los incondicionales de M:I, este estreno será una joya irreprochable; para el público en general, una entretenida y estridente —pero a veces desmañanada— película de acción.
Si nos asomamos más allá del intoxicante fenómeno parasocial que existe alrededor de Cruise, lo cierto es que M:I &#8211; La sentencia final es una película atolondrada y confusa en su primera mitad, caótica. El arranque de su extensísimo pietaje (dura casi tres horas) es territorio empedrado. No es sino hasta que uno está ya muy entrado en los líos de Ethan y su camarilla (tras una hora de peli transcurrida) que las cosas comienzan a ponerse interesantes.
Aun así, aunque la película repunta en intensidad y espectacularidad, el filmmaking es a veces pobrísimo: hay planos repetidos, una reiteración narrativa inexplicable y hasta recursos visuales que son más cercanos al montaje televisivo que al cinematográfico. Es, a mi gusto, la más pobre en narrativa fílmica: el cinéfilo más exigente (y que no esté obcecado por el “tomcruisismo”) lo resentirá o, de menos, lo notará.
Eso sí, la saga sigue siendo la gran reina de las secuencias de acción. En este caso, son dos las proezas de puesta en cámara que hay que subrayar: una secuencia dentro de un submarino hundido y una persecución aérea entre dos biplanos. Ambas bien podrían consagrarse entre los momentos más memorables de la franquicia. El resto del filme transcurre entre instantes vacíos, clichés sin encanto y momentos genuinamente magnéticos. La misión es irregular, pero con mucho factor “wow”.
En todo caso, subrayo que si la cinta flota (e, incluso, deslumbra a quien le tenga buena voluntad) es gracias al duende de Cruise. 
En términos dramáticos, La sentencia final apela al recurso de la narrativa mesiánica, pues nos propone que Ethan Hunt es ahora “El Elegido”. El espía es de pronto encumbrado a un nivel inédito, casi beatífico, y se convierte en el único ser humano digno de controlar a la inteligencia artificial beligerante que hay que derrotar en la trama. Una IA que, a su vez, lo controla todo.
Así, encontramos que en el relato hay una suerte de “tecnoesoterismo” (a falta de otro nombre, perdón por la palabreja) que se siente artificioso y que tampoco es que le abone gran cosa a la aventura: Ethan ya era un personaje cool , no necesitaba una sangronada de esa índole. Si bien la idea es interesante (eso de crecer al héroe a dimensiones imprevistas), en el guion parece un parche, una ocurrencia.
No quiero cerrar este texto sin una nota más, respecto a algo que me ha parecido interesantísimo: la octava Misión: Imposible integra a su ethos un discurso pacifista y humanista. La moraleja es que la paz es el camino, que dispararnos entre nosotros no es la respuesta, que hay que resistir, que podemos pensar en una alternativa que no sea “jalar el gatillo”, que no sumarnos a la agenda del belicoso es lo ético. Que hay que oponernos a la destrucción.
En fin, si has seguido estas aventuras, no habrá falla para ti. Se nota que es una película hecha para los fanáticos de la franquicia y aquellos que durante 30 años han seguido cada uno de los relatos de Misión: Imposible, esos que están profunda y plenamente familiarizados con la mitología de esta saga. Si cabes en estas categorías, ¡acepta la misión sin dudarlo! Si no, prepárate para otro estallido de maximalismo hollywoodense.

Misión: Imposible… ¿la octava es la vencida?

Todos tenemos dos familias: primero, en la que nacimos; y después, la que —con el paso de los años y por los vuelcos de la vida— elegimos. Nuestra familia elegida es pequeñita, está integrada únicamente por nuestros verdaderos amigos, los más leales. Y es tan importante como la familia biológica. O, en muchos casos, hasta más importante.
La premiadísima y entrañable comedia dramática Bob Trevino Likes It (en nuestro país le pusieron el genérico y soso título de Un mejor papá ) celebra la maravillosa magia que ocurre cuando conectamos —emocionalmente, intelectualmente— con una persona hasta que termina por volverse parte sustantiva de nuestra vida, cuando creamos un lazo por decisión y convicción, no por las coincidencias de ADN.
Lily Trevino (Barbie Ferreira) es una chica que intenta comunicarse con su papá para pedirle perdón por un malentendido. Al buscarlo en Facebook, encuentra el perfil sin fotografía de un tal Bob Trevino y cree que se trata de su papá&#8230; pero no es así. Es un sujeto desconocido que se llama igual que su padre. Por puro azar, Lily y el desconocido Bob inician una comunicación que se volverá significativa. Ambos son personas heridas y solitarias que, a pesar de la diferencia de edad y de condiciones, forjarán un improbable lazo de amistad, de esos que te cambian la vida.
A partir de una experiencia personal de la directora Tracie Laymon (quien un día se puso a buscar familiares perdidos en Facebook), Bob Trevino Likes It se consolida como una de las mejores comedias independientes que se hayan estrenado este año . Así, simple y llanamente. La película ostenta una emotividad franca y nos cuenta la historia de dos personajes rotos que tienen que aprender a querer(se), que tienen que avanzar por el doloroso empedrado cuesta arriba que la vida les ha puesto enfrente.
El filme, además, habla sobre nuestros desatinos emocionales, lo difícil que es guardar la templanza, la compostura o privilegiar el sentido común cuando la vida te ha aporreado sin descanso o cuando nadie te ha dado afecto . Es una pieza sobre la importancia del amor que recibimos, en particular en la infancia y la adolescencia, de parte de nuestros padres y figuras de autoridad.
Pero el filme de Laymon no se queda ahí. También explora lo mucho que invertimos para que otros —incluidos nuestros padres— nos acepten, aunque en el proceso se nos olvide lo más importante: que debemos aceptarnos a nosotros mismos primero, incondicionalmente, con nuestras imperfecciones y fisuras. Y que debemos abrirnos a las personas que nos quieren, que nos aman por ser quienes somos, no por lo que quieren que seamos. Ah, claro, y que, una vez cruzada la cerca del individualismo, hay amor y belleza en nuestra convivencia con los demás.
No puedo terminar sin antes subrayar el trabajo interpretativo de Barbie Ferreira y John Leguizamo. Ella es potentísima, un dínamo interpretativo que reclama el protagonismo para sí misma. Es una de las actuaciones más logradas de esta primavera fílmica. Leguizamo, por su lado, es un tipo de talento probado y experiencia jugosa. Se le notan las tablas en cada escena, es dueño del oficio que ejerce.
Sobra decir que recomiendo esta película absolutamente. Si la ven acompañados de alguien a quien quieren mucho (su mejor amigo, alguien de su familia biológica, su media naranja), tómenlo de la mano durante la función y déjenle sentir que es amado, que es querido y que su afecto es genuino. A veces no hace falta más que un pequeño gesto para que la vida, con sus trompadas y bajones, se vuelva llevadera y cobre sentido.

“Un mejor papá” es una oda a tu ‘familia elegida’

Tim Key es encantador y reclama los reflectores en La balada de la isla, la flamante y aplaudida comedia británica que ya se encuentra en cines. Es imposible no adorar a Charles, su personaje, un enfermero que se gana la lotería y usa el dinero para contratar a su músico favorito (Herb McGwyer, interpretado por Tom Basden) para que viaje a su pueblo anodino y remoto con el fin de que ofrezca un concierto íntimo.
Esta pieza es ya una de las más gozosas ‘feel good movies’ que he visto en lo que va del año. Y no sólo eso, me atrevo a decir que tiene las herramientas para consolidarse como una de las mejores comedias hechas en el Reino Unido en 2025. Sé que apenas estamos en mayo, pero así de entrañable y graciosa es.
Además de interpretar a los dos personajes principales, Key y Basden también son los guionistas de este largometraje que, a su vez, está basado en un cortometraje que ellos mismos escribieron hace casi 20 años y que fuese nominado al BAFTA a lo mejor del cine británico. La trinidad estelar la completa la siempre impecable Carey Mulligan (tres veces nominada al Oscar® por Una educación, Hermosa venganza y Maestro) como Mortimer, una cantante retirada.
La balada de la isla es un relato que conecta con el público porque —sin zarabandas ni artificios— explora temas como el amor perdido, el desencanto, la frustración y la soledad, así como la alegría de estar en compañía. Sin embargo, el director James Griffiths le rehúye al sentimentalismo y a la cursilería chocante, pues su dulzura no empalaga. Con inteligencia, el realizador logra una comedia que alcanza notas de emotividad franca, súper disfrutable.
Más allá de todo eso, siento que esta es una película que logrará una conexión especial con los melómanos. Si te gusta la música, se te anidará todavía más en el corazón. Usando la tradición del folk contemporáneo como recurso, la película nos muestra a tres personajes cuyas vidas están marcadas por el papel que la música ha jugado en sus vidas: Charles está enamorado de las canciones de los artistas favoritos de su difunta esposa; Mortimer y McGwyer, por su lado, tendrán que resolver cosas de su pasado que están ligadas a la música que alguna vez crearon y grabaron juntos.
El filme nos muestra a la música como una fuerza que nos nutre, como más que una simple compañía. Aquí, la música es articuladora de lo que fuimos, somos y seremos, de lo que amamos y amaremos. Quepa agregar que el soundtrack (ya disponible en plataformas) es una delicia.
Para melómanos, para los amantes de la música folk, para quienes disfruten de las comedias británicas, para quienes deseen ver una buena peli&#8230; La balada de la isla no tiene pierde. Tras la función, querrás volver a casa a escuchar tus canciones favoritas.

“La balada de la isla” es melódica y entrañable

La periodista japonesa Shiori Itô decide investigar la violación de la que ella misma fue víctima en el largometraje documental Black Box Diaries , por el cual recibió una nominación al Oscar. La pieza compitió también en Sundance y SXSW, y recogió el premio de Derechos Humanos en CPH:DOX, uno de los festivales de cine documental más importantes del planeta.
En 2015, Itô fue abusada sexualmente por un periodista cercano al entonces primer ministro de Japón. Tras denunciar el crimen, descubrió que el sistema de su país desestima la credibilidad de las víctimas, crea un entorno favorable al acusado y, casi por default, arroja a las poquísimas denunciantes a la revictimización. Pero las fisuras en la justicia nipona no son exclusivas de aquel sistema legal; lo que vemos en este filme se replica en otras partes del mundo todos los días, de ahí la resonancia que ha tenido.
Black Box Diaries se consolida como una pieza audiovisual interesante y bien lograda como documental gracias a que Itô logra cruzar el rígido umbral periodístico —el de la nota dura, los hechos— para perfilar su relato en primera persona hacia la experiencia humana —en lo social y emocional— de una mujer que navega contra el sistema y el entorno cultural en pos de justicia.
Itô logra sacudirse las muletillas periodísticas (por lo general, los &#8220;documentales&#8221; de periodistas suelen ser fríos y más cercanos al lenguaje del reportaje que al del cine). Black Box Diaries trasciende sus hechos, se construye de manera humanista y explora su frustrante y traumático relato con sensibilidad. 
La realizadora, además, sale airosa al jugar un doble papel: el de periodista, investigadora y catalizadora, y el de la mujer que busca justicia. Pero Black Box Diaries no es un relato esquizofrénico con una protagonista que se desdobla o que cambia de personalidad a capricho; es, en todo caso, un filme donde una misma mujer apela a sus recursos emocionales y profesionales para traer visibilidad al crimen del que fue víctima.
Huelga decir que el caso de Itô fue sustantivo en la consolidación, primero, del fenómeno #MeToo en Japón, para después trascender dicha etiqueta mediática y consolidarse como una de las banderas de un cambio legal, social y cultural que sigue sin cristalizarse del todo en muchas latitudes. 
Black Box Diaries está ya disponible en Filmelier+, no te lo vayas a perder.

Una historia muy personal

Alex Garland es un cineasta solvente, interesante. Como director nos ha dado películas discursivamente ricas como Ex Machina (auténtico filme de culto contemporáneo), Men: Terror en las sombras y la reciente Guerra Civil , así como la serie Devs . Como guionista, ha hecho lo propio en títulos como Nunca me abandones , 28 días después y la inminente secuela 28 años después . De ahí que resulte extraño que su más reciente opus WARFARE: TIEMPO DE GUERRA resulte ser una pieza magra, famélica en disertaciones y reflexiones; es una película técnicamente espectacular, eso que ni qué. Pero así como te revienta las pupilas, es frívola en igual medida.
Una vez asentado que la cinta presume una puesta en cámara deslumbrante —la cinefotografía de David J. Thompson, el diseño de producción de Mark Digby y el trabajo del equipo de sonido tienen nivel de galardón—, queda claro que WARFARE: TIEMPO DE GUERRA es un caramelo audiovisual sumamente violento, feroz y apantallante.
El elenco es otro de sus acentos, todos lo hacen muy bien. El filme nos ofrece una colección de los jóvenes rostros masculinos que buscan ser el Hollywood del futuro: Joseph Quinn, Will Poulter, Kit Connor, Noah Centineo, Charles Melton, Michael Gandolfini, Cosmo Jarvis y varios más. La “coralidad” interpretativa es palpable.
En la trama, un grupo de soldados estadounidenses sufre una emboscada en Irak. El guion está construido a partir de las memorias de dichos soldados en medio de la batalla, ciñéndose estrictamente (sin agregar nada, aparentemente) a lo que cada soldado recordaba sobre la situación límite que vivieron. Esto es lo más propositivo del filme.
Dicho todo lo anterior, queda claro que para los codirectores —el cineasta Alex Garland y el consultor militar/asesor de stunts Ray Mendoza— WARFARE ha sido un retador ejercicio de estilo. Han logrado un relato que se siente inmersivo en lo plástico y con imágenes estrujantes. Pero, ¿para qué?
El problema de WARFARE es que parece una película sin postura, sin punto de vista desde la realización; a veces se siente vacía, de mirada fría, llena de estridencias y gritos, sin desarrollo de personajes. Su valor estribaría, quizás, en el uso como materia prima de los recuerdos de aquel grupo de soldados reales durante una misión real. Pero, de nuevo: ¿con qué propósito? ¿Aspirando a qué en estos tiempos convulsos y belicosos que nos ha tocado vivir?
Mientras Guerra Civil (por ejemplo) rebosaba discurso y motivación, WARFARE es un triunfo de la forma sobre el fondo, un lujoso ejercicio de rodaje, muy vistoso, entretenidísimo, pero que también es un disparo al aire. En el aquí y el ahora, una película como esta, sin pronunciamiento alguno sobre la guerra, su significado, su propósito, su impacto en el humanismo, sus heridas y/o su impacto en nuestra relación con la otredad, es un despropósito. ¿De qué sirve la neutralidad de la película? ¿Qué abona?
Si vas por los puros balazos (y de esos, creo yo, ya tenemos muchos) o por el espectáculo audiovisual, seguro que la peli te tendrá al borde de la butaca, sobre todo en su segunda mitad. Pero si estás buscando una pieza que diga algo, solo encontrarás ruido blanco, estática. WARFARE es la película de Garland más osada técnicamente, pero la más floja en alma e intención.

Warfare: Explosiva, estridente… pero sin beligerancia

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El año pasado, el cineasta portugués Miguel Gomes se alzó con el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes gracias a Grand Tour , un drama histórico —y también filme de aventuras— bellamente filmado en celuloide. El relato es una odisea transcontinental por distintos puntos de Asia, mezclando imágenes del presente rodadas en locación con escenas de época que se grabaron en estudio en Italia.
Seleccionada por Portugal como su representante rumbo al Óscar (aunque no lograron la nominación), Grand Tour se erige así como un wanderlust fílmico e hipnótico para cinéfilos recalcitrantes, para los más irredentos amantes del cine de arte.
El magnífico —pero también confrontativo, retador— opus de Gomes está estructurado como una suerte de díptico cinematográfico: en la primera mitad conoceremos a Edward, un hombre que decide abandonar a su prometida —Molly— justo cuando están por casarse. Es así que inicia un viaje de ¿autodescubrimiento? ¿De cobardía? ¿De aflicción indefinible?
En la segunda mitad veremos un cambio de punto de vista y descubriremos que Molly ha decidido rastrear a su amado, convencida de que la boda sigue en pie. Ella cree que va pisándole los talones, pero en algún punto tendrá que decidir si sigue la ruta del hombre que la dejó o si toma su propio camino. ¿Qué es más importante: que una promesa se cumpla o que un nuevo deseo se concrete?
Es interesante la manera en que ambas líneas argumentales se relacionan. Para mí, el filme crece y adquiere su significado a partir de que el relato de Molly entra en juego. En el arco de Edward nos encontramos con una pieza “imprecisa”, siguiendo a un hombre que parece emocionalmente constipado o, al menos, consumido por sentimientos erráticos que le llevan al autoexilio. En este punto, es natural que el espectador sienta que la película no va a ninguna parte, incluso si uno está intrigado por lo que ve.
Pero cuando Molly aparece, todo cobra sentido. El trayecto de la chica es el de la convicción, el del plan irrompible. Es ella, en su búsqueda, la que da sentido y corpulencia al trayecto de Edward. Entonces todo cobra sentido: la complejidad de Edward y la simpleza cándida de Molly bordan el flujo de la historia (y de la Historia, con &#8220;hache&#8221; mayúscula, como recurso de Gomes para crear un telón de fondo anacrónico).
De contextura isotópica —pues repasamos un &#8220;mismo&#8221; trayecto con ambos personajes—, Grand Tour es intrigante, confusa (en el mejor de los sentidos) y arriesgada. La relación entre el tiempo narrativo y los espacios fílmicos es tan caprichosa como rica.
Como nota para el cinéfilo incorregible, yo no podía dejar de pensar en la Sans Soleil de Chris Marker mientras veía la película: hay mucho del puzle audiovisual de aquel clásico de 1983, donde comulgan las imágenes de carácter documental con las de ficción.
En fin, si te gusta imponerte retos audiovisuales y experimentar del cine más allá de las convenciones comerciales, Grand Tour es exquisita, experimental, poética y autoral. Y, además, una colección de postales para hechizar las pupilas.
Prepárate para experimentar una desconcertante aventura de desplazamiento donde el drama introspectivo y la comedia romántica iban a casarse&#8230; ¿lo harán?

“Grand Tour” es Cine con “c” mayúscula

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El 26 de junio llegará F1: La Película a salas de cine. En nuestro país, la esperadísima cinta ambientada en el mundo del automovilismo profesional tendrá incluso funciones de preestreno los días 24 y 25 en pantallas seleccionadas (para que revises la cartelera si es que ya no aguantas más las ganas de verla). 
De cara al estreno de este prometedor largometraje protagonizado por Brad Pitt, he hecho un ejercicio de memoria para tratar de averiguar si tenía o no películas de automovilismo favoritas. Yo, que no me gustan las carreras ni los coches, me sorprendí por la cantidad de películas ambientadas en las pistas que me han gustado. Aquí van algunas: 
SENNA 
Ya pasaron 15 años desde que este documentalazo se estrenó. El filme ganó el premio principal de documental en Sundance y hasta se embolsó dos BAFTAs. Lo pienso y lo pienso&#8230; y la verdad, se me hace que sí es el mejor docu sobre automovilismo en lo que va de este siglo. Está en Netflix. 
RUSH 
No esperaba nada cuando fui al cine a ver esta peli y me lo dio todo: Daniel Brühl está increíble como el icónico Niki Lauda y Chris Hemsworth está inmejorable como James Hunt, un rol que sigue estando entre las tres mejores actuaciones de su carrera. La película es intensa y envolvente. Está en Adrenalina Pura (dentro de los canales de Prime Video). 
¿CARS O TURBO? 
Dentro del terreno animado hay dos grandes representantes: una es Cars (una saga que sé que tiene miles de fans pero que a mí nunca me ha logrado conquistar) y la otra es Turbo, la historia de un caracol que sueña con ganar las 500 millas de Indianápolis. ¿Tú cuál prefieres? Cars está en Disney+ y Turbo está en Netflix y Prime Video. 
FORD VS. FERRARI 
Uno llega a esta película por las carreras, pero se queda por el chismecito. ¿A poco no? Con Christian Bale y Matt Damon. Del director de Logan y Un perfecto desconocido. Está en Disney+. 
METEORO: SPEED RACER 
Las Wachowski hicieron su hiperbólica, colorida y estridente versión hollywoodense, pero yo soy de la generación de la serie de animación japonesa. La película se puede ver en Max. 
DÍAS DE TRUENO 
El clásico noventero por antonomasia, con Tom Cruise. Y pensar que F1 bien podría haber sido el regreso de Tom al cine de autopistas. Del gran Tony Scott, la cinta logró nominación al Oscar por su sonido. Hoy se puede rentar o comprar digitalmente en múltiples plataformas. 
LAS DE &#8220;CUPIDO MOTORIZADO&#8221; 
Perdón, pero aquel vochito llamado Herbie sigue siendo el rey total de las pistas de carreras en el cine. La peli original de la década de 1960 está disponible en Disney+. 
Y tú, ¿también tienes tus películas de carreras favoritas? Ya veremos si F1 logra meterse entre tus consentidas a partir de la próxima semana.
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