Arturo Garibay

Voy a ser muy honesto: No me encantó “Amores materialistas” de Celine Song. La película es notablemente inferior a su ópera prima, “Vidas pasadas”. Sin ser un desastre absoluto, vas a notar que la película está inflada, le han apostado todo a su triada protagónica, pero los desperfectos dramáticos y conceptuales de la cinta están ahí. Afortunadamente, Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal hacen de ésta una experiencia llevadera. Es que los tres exudan magnetismo y sensualidad por cada poro.
A ver, primero revisemos de qué va la peli: Dakota Johnson interpreta a una joven casamentera en Nueva York, envuelta en un triángulo amoroso con un millonario impoluto (Pedro Pascal) y su chamagoso —pero guapo— exnovio (Chris Evans). Como ya lo he dicho, esta película se sostiene en el atractivo de sus tres protagonistas. Verlos juntos es un deleite. Es más, su carisma alcanza a distraernos un poquito de la irregular dirección de actores.
“Amores Materialistas” funciona con los dispositivos de un “mumblecore” (es decir, una película sumamente dialogada), el problema es que muchos de los parlamentos son artificiosos e implausibles. La cineasta de la encantadora “Vidas pasadas” ahora nos introduce en un universo de emociones plastificadas, una pieza frívola en su abordaje emocional e ideológico. A veces vacía, a veces distante.
En su empeño por mantener la vibra chida que tenía su accesible pero elegante ópera prima, la realizadora termina trivializando su propia revisión sobre el amor y sus aristas. Todo se siente hiperestilizado, chapucero, acartonado. Todo parece de mentiras: desde el universo hasta el conflicto de los personajes. Y cuando introduce una subtrama delicada, lo hace con torpeza. La película busca trascender por diseño, no por honestidad. Nos quiere convencer, por la fuerza, de que es una película inteligente.
Aun así, puedes lanzarte al cine y disfrutar de lo que sí ofrece: un elenco muy, muy bonito, una dirección de arte eficiente, algunas sonrisas y una buena rola de Japanese Breakfast para decorar el soundtrack. Si llegas con la actitud correcta y moderas tus expectativas, “Amores Materialistas” puede sentirse como una cita que no salió tan bien, pero a la que igual te alegra haber ido.

Arturo-Garibay

Amor a medias para “Amores Materialistas”

Marvel lo ha hecho bien. “Los 4 Fantásticos: Primeros pasos”, presenta un tratamiento digno de Reed, Sue, Johnny y Ben, la primera gran familia superheróica. Lo más interesante es que no se trata de una pieza de explosividad evidente; de hecho, se siente distinta al resto del Universo Cinematográfico Marvel. La comedia chabacana del UCM se ve reemplazada por una narrativa más pausada, con enfoque en los personajes, cercana por momentos al drama intrafamiliar más que al cine de superhéroes. Me pregunto si esta propuesta desconcertará al gran público o si, por el contrario, los espectadores abrazarán a los protagonistas por lo que son y no por sus hazañas espectaculares. Pero no te asustes, la película sí es entretenida, visualmente exuberante y, al mismo tiempo, accesible y humana.
El filme inicia cuatro años después de que nuestros astronautas estelares regresan a la Tierra transformados por una lluvia de rayos cósmicos. Consagrados como héroes absolutos, Los 4 Fantásticos se han ganado el respeto de la sociedad, que los percibe como paladines capaces de resolver cualquier problema y enfrentar a todos los villanos.
Sin embargo, la verdadera amenaza está por llegar. Silver Surfer aparece con un mensaje funesto: un ser cósmico llamado Galactus devorará el planeta. Lo interesante es que esta no es la crisis central del relato. El verdadero conflicto es íntimo y humano: Sue está embarazada.
Aunque el guion tiene accidentes —en algunos momentos la verosimilitud se ve comprometida— y el ritmo puede sentirse irregular, nada de eso alcanza a lastimar el resultado final. “Primeros pasos” se sostiene gracias a dos factores clave. Primero, la potente química entre los protagonistas. Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach logran una compenetración total y nos conquistan con sus interpretaciones. Segundo, el envolvente trabajo visual: la cinematografía de Jess Hall (“WandaVision”, “Hot Fuzz”) y el diseño de producción de Kasra Farahani (“Loki”) nos transportan a un mundo retrofuturista en el que uno se sumerge sin resistencia.
En conclusión: es una buena película. Puede que no coincida con quienes la consideran una de las mejores de Marvel, pero sí creo que es la mejor versión de Los 4 Fantásticos que hemos visto en pantalla grande. Tiene corazón y personalidad, vale la pena, justo cuando el género de los superhéroes nos ha fatigado y hastiado. Yo pensaría que, cinematográficamente hablando, el futuro es cuesta arriba para Mr. Fantastic, la Mujer Invisible, la Antorcha Humana y La Mole.

En efecto, son fantásticos

Pues sí, James Gunn lo logró: su versión de “Superman” es un nuevo comienzo… y con alma propia. Su lectura es fresca, explosiva, divertida y profundamente consciente del peso simbólico que el Hombre de Acero tiene en la cultura pop. Gunn, como buen narrador, entiende que Superman no es un personaje estático: lleva casi 90 años reinventándose, reviviendo, “reseteándose”. Por eso, en lugar de regresar al origen, nos presenta a un Superman ya activo y consolidado en el imaginario colectivo. Gunn asume —sabiamente— que ya conocemos a su Superman, porque, en efecto, todos entendemos la “idea” de Superman.
Dicho esto, la película no tiene que presentarnos quién es el personaje principal, sino algo más profundo: para quién lucha. Tras intervenir en un conflicto armado (una guerra que también es una invasión), la opinión pública se divide: ¿Superman es un instrumento político o un verdadero defensor del bien común? Mientras enfrenta esa crisis de imagen, Lex Luthor inicia su cruzada más feroz contra él. Así, la cinta se adentra en un terreno político, explorando temas como el intervencionismo, la migración, la xenofobia, la identidad y los límites del poder. 
No obstante, aunque el enfoque es político, el tono general del filme recuerda más al Superman de Richard Donner: es grandilocuente, colorido, hiperbólico, y se asume como una historieta en movimiento. Tiene el “savoir faire” del buen cine comercial y abraza la cursilería como vehículo de esperanza. El entretenimiento es prioritario, pero no superficial.
El elenco responde con creces. David Corenswet se apropia del papel con naturalidad y sin repetir a sus antecesores. Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Isabela Merced y Nathan Fillion también entregan buenas interpretaciones. Mención especial para Krypto, el superperro, que roba cámara y se robara tu corazón. ¡Súper estrella!
Si hay algo que, a título personal, yo le reprocharé, es que toca temas muy actuales —como los conflictos geopolíticos, las migraciones o el uso del poder militar— sin profundizar demasiado. Todo queda en guiños, referencias pop reconocibles, más que en posturas firmes sobre la importancia de la acción colectiva. En ese sentido, Gunn cae en el lugar común de la narrativa mesiánica: para mí, ya está desgastado el discurso del “gran salvador”, tan frecuente en el cine estadounidense, donde un individuo extraordinario resuelve los problemas colectivos. Superman, cuando es más que un mesías, funciona mejor: cuando nos inspira a todos, cuando se vuelve parte de la comunidad.
Aun con eso, este primer paso del nuevo DCU es sólido. Si bien no revoluciona el género, sí lo refresca. Tiene espíritu, ritmo y corazón. Es cine de superhéroes que entretiene, emociona y hace que el personaje vuele alto como un pájaro, como un avión. Y eso, en un panorama desgastado para el género, ya es un triunfo.

Habemus Superman

La septuagésima séptima Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional (MIC) llega desde hoy a la Cineteca tapatía. Para nosotros —los cinéfilos recalcitrantes— es una estupenda noticia. Tras el atracón que nos dimos en el FICG 40, volveremos a empacharnos de cine de autor, de películas de realizadores consagrados y de cineastas emergentes, de lo mejor del circuito de festivales. 
La programación quedará de la siguiente manera: 
■ No nos moverán — 4 de julio 
■ Zafari — 5 de julio 
■ Tóxico — 6 de julio 
■ Bird — 8 de julio 
■ La hora de la estrella — 9 de julio 
■ Carretera perdida: Lost Highway — 10 y 18 de julio 
■ Góndola — 11 de julio 
■ Black Dog — 12 de julio 
■ En la alcoba del sultán — 13 de julio 
■ Un amor — 15 de julio 
■ Lenguaje universal — 16 de julio 
■ La inmensidad — 17 de julio 
Todas las películas son interesantísimas, pero me gustaría subrayar mis títulos favoritos de la selección: de entrada, “No nos moverán” es —cómodamente— una de las mejores películas mexicanas del último año, si no es que la mejor. El filme de Pierre Saint Martin es protagonizado por una Luisa Huertas irreprochable al encarnar a una abogada que busca al soldado que mató a su hermano en Tlatelolco. La cinta presume un sentido del humor punzante, una emotividad abrasiva y un trabajo de dirección de aplausos. Esta la tienes que ver de “a fuerzas”. 
“Lenguaje universal”, en tanto, es una pieza única, de carácter circular y de hechura finísima. Algunas personas me han comentado que les recuerda a Kaurismäki; otras, a Anderson. Lo cierto es que el cineasta canadiense Matthew Rankin firma una obra muy propia donde las identidades persa y franco-canadiense se funden en un espacio brutalista, comunitario e identitario. Joya. 
El evento estelar de la septuagésima séptima MIC es el reestreno en cines de “Lost Highway” de David Lynch. Un clasicazo de esos que te revientan la cabeza con su trama sobre identidad fragmentada, culpa y percepción distorsionada, así como por su icónica banda sonora. Estrenada en Sundance en 1997, esta es una gran oportunidad para verla de nuevo (o por primera vez) en la pantalla grande. 
Échale un ojo también a “Un amor”, de Isabel Coixet (cinta de la que espero poder escribir más adelante), “Bird” de Andrea Arnold y “Black Dog” de Guan Hu. Esta última fue una de mis películas favoritas del año pasado. Es fantástica: cuenta la historia de un hombre que intenta atrapar a un perro salvaje, muy violento, sin imaginar que forjará un lazo con ese &#8220;chucho&#8221; indeseable e impresentable.
UNA HISTORIA DE CUERPOS Y RELACIONES
En la cartelera comercial se encuentra “Hot Milk”, película que hace apenas un mes compitió por el Premio Maguey del 40 Festival Internacional de Cine en Guadalajara. El filme cuenta la historia de una joven británica que acompaña a su madre a la costa española para que reciba un tratamiento por un extraño mal que la aqueja y que la ha dejado sin poder caminar por más de dos décadas. 
La película tiene sus deficiencias, la leche no está “caliente”, sino “tibia”, pero también sus muchos atractivos. Sucede que los desperfectos del guion y del montaje los compensa con el trabajo interpretativo de su elenco y con sus discursos sobre el cuerpo, la somatización, el deseo, lo complejo que puede ser soltar los dolores del pasado y la coerción emocional. Sí, muchas cosas se sienten inacabadas, pero dan material para pensar. Qué fuerte que cuando no podemos compartir un dolor con palabras (porque es muy difícil verbalizarlo), es el cuerpo quien se comunica. Mención especial para Emma Mackey —quien ya va recibiendo papeles a la altura de su potencial— y Fiona Shaw. Ambas, fulminantes.
EL COMENTARIO JURÁSICO
Sí, ya sé que seguro quieres saber si “Jurassic World Renace” está chida o no. Mira, sí es entretenida, tiene su dosis de diversión, tiene cualidades de espectáculo. Pero también me quedé con la sensación de que debe ser una de las piezas más débiles de toda la saga. 
En términos interpretativos, la película se levanta gracias a Jonathan Bailey, Rupert Friend y Manuel García Rulfo, quienes lo hacen muy bien. En términos estéticos, los dinosaurios han sido reimaginados hasta el paroxismo (la excusa es que se han hecho experimentos con ellos), pero estos híbridos no siempre funcionan. 
En tanto, sus discursos sobre &#8220;compartir lo esencial&#8221;, sobre la forma en que las corporaciones explotan lo que debería ser un bien común, se quedan cortos. También lo que dice sobre el cambio climático (los dinosaurios se están volviendo a extinguir porque no pueden adaptarse a la meteorología actual) se queda muy a medias. 
Pero, en fin, al menos divierte: está palomera, explosiva, estridente, sobre todo en su segunda mitad. Si eres &#8220;completista&#8221; de la saga jurásica (como yo), la tienes que ver sin importar lo que oigas o leas sobre ella.

De cine de autor, leche tibia y dinosaurios

Qué maravilla ha resultado ser “EXTERMINIO: LA EVOLUCIÓN”, tercer largometraje de la saga que inició en 2002 bajo la dirección de Danny Boyle y la pluma de Alex Garland. La dupla de director y guionista ha vuelto para esta fantástica secuela que no tiene desperdicio. Lo que tiene es voracidad, peligro y un sustancioso entramado de emociones. Porque esta tercera “Exterminio” es más que una peli de &#8220;zombies&#8221;, más que un drama distópico posapocalíptico, más que una distopía pandémica&#8230; es un relato sobre el fin de la infancia y una reflexión sobre la mortalidad.
Han pasado 28 años desde que el virus que infecta a la gente de una rabia incontrolable se esparció por todo el Reino Unido. La civilización como la conocíamos ha terminado y los tejidos social, económico y cultural están hechos jirones. Sin embargo, en una isla hay una comunidad que se las ha apañado para vivir en paz.
A manera de rito de iniciación, un hombre (Aaron Taylor-Johnson) que vive en ese santuario decide llevar a su hijo (Alfie Williams) al continente por primera vez. La situación detonará una serie de eventos que harán que el chico decida volver a tierra firme por su cuenta, pero ahora acompañado de su mamá, quien está gravemente enferma. ¿Por qué? Porque el jovencito ha escuchado que hay un doctor (Ralph Fiennes) que podría sanar a su madre. Pero para llegar con el médico, claro, hay que cruzar por el territorio de los infectados, los cuales han evolucionado y se han adaptado al entorno.
Boyle, quien en su filmografía cuenta con cintas como “Trainspotting” o “Tumba al ras de la tierra”, se rehúsa a volver a contarnos un relato directo de supervivencia, o sobre la debacle de la sociedad o una aventura de humanos contra zombies. El realizador inglés eleva su apuesta, pues “Exterminio: La evolución” es una película de maduración, un coming-of-age doloroso y descarnado sobre los eventos que nos hacen cruzar el umbral que separa la niñez de la adolescencia.
Sí, es una película sobre el adiós a la inocencia. Nuestro joven protagonista tendrá que aprender lecciones de vida (que no habilidades prácticas de supervivencia) si quiere ser capaz de seguir adelante en el mundo agreste en que le ha tocado vivir.
Por otro lado, el cineasta explora la mortalidad humana como una de las pocas realidades inequívocas y universales: todos nos vamos a morir algún día. La muerte se manifiesta no sólo en la forma de zombies que pueden morderte o partirte en pedazos, sino de manera metafórica: la muerte del cuerpo y la muerte del alma. Boyle utiliza los hilos de la maternidad y la paternidad para bordar el camino que seguirá nuestro héroe.
Tras entregarnos un filme tan entero, es natural sentir emoción por las películas futuras que ya se han confirmado dentro de esta saga. Queda claro que la nueva “Exterminio” funciona bien porque está apuntalada sobre lo que ya habían logrado sus antecesoras: mostrarnos que el mejor cine de género es el que sabe que en las fantasías más horrorosas siempre caben el discurso humano y la reflexión social. Todas han sido piezas donde la humanidad es clave.
Para los curiosos, además, hay un aspecto técnico interesante: la película fue filmada con un iPhone. Siento que podemos decir que ésta es, desde ya, la película más ambiciosa (en plan &#8220;gran producción&#8221;) que se haya rodado con un celular. 
En fin, esta pieza es de lo mejor de Boyle, quien muestra su dominio absoluto sobre el lenguaje fílmico. El filme tiene momentos sumamente inspirados, profundamente emotivos e, incluso, elegantes. Lo sé, la palabra &#8220;elegancia&#8221; no es algo que se suela escuchar respecto al cine de zombies. Pero creo que notarás a qué me refiero cuando la veas. 
Y, ojo, porque “Exterminio: La evolución” va que vuela para consagrarse entre las mejores cintas de género del año.

La sustancia, la rabia y la maduración de “Exterminio: La evolución”

El 26 de junio llegará F1: La Película a salas de cine. En nuestro país, la esperadísima cinta ambientada en el mundo del automovilismo profesional tendrá incluso funciones de preestreno los días 24 y 25 en pantallas seleccionadas (para que revises la cartelera si es que ya no aguantas más las ganas de verla). 
De cara al estreno de este prometedor largometraje protagonizado por Brad Pitt, he hecho un ejercicio de memoria para tratar de averiguar si tenía o no películas de automovilismo favoritas. Yo, que no me gustan las carreras ni los coches, me sorprendí por la cantidad de películas ambientadas en las pistas que me han gustado. Aquí van algunas: 
SENNA 
Ya pasaron 15 años desde que este documentalazo se estrenó. El filme ganó el premio principal de documental en Sundance y hasta se embolsó dos BAFTAs. Lo pienso y lo pienso&#8230; y la verdad, se me hace que sí es el mejor docu sobre automovilismo en lo que va de este siglo. Está en Netflix. 
RUSH 
No esperaba nada cuando fui al cine a ver esta peli y me lo dio todo: Daniel Brühl está increíble como el icónico Niki Lauda y Chris Hemsworth está inmejorable como James Hunt, un rol que sigue estando entre las tres mejores actuaciones de su carrera. La película es intensa y envolvente. Está en Adrenalina Pura (dentro de los canales de Prime Video). 
¿CARS O TURBO? 
Dentro del terreno animado hay dos grandes representantes: una es Cars (una saga que sé que tiene miles de fans pero que a mí nunca me ha logrado conquistar) y la otra es Turbo, la historia de un caracol que sueña con ganar las 500 millas de Indianápolis. ¿Tú cuál prefieres? Cars está en Disney+ y Turbo está en Netflix y Prime Video. 
FORD VS. FERRARI 
Uno llega a esta película por las carreras, pero se queda por el chismecito. ¿A poco no? Con Christian Bale y Matt Damon. Del director de Logan y Un perfecto desconocido. Está en Disney+. 
METEORO: SPEED RACER 
Las Wachowski hicieron su hiperbólica, colorida y estridente versión hollywoodense, pero yo soy de la generación de la serie de animación japonesa. La película se puede ver en Max. 
DÍAS DE TRUENO 
El clásico noventero por antonomasia, con Tom Cruise. Y pensar que F1 bien podría haber sido el regreso de Tom al cine de autopistas. Del gran Tony Scott, la cinta logró nominación al Oscar por su sonido. Hoy se puede rentar o comprar digitalmente en múltiples plataformas. 
LAS DE &#8220;CUPIDO MOTORIZADO&#8221; 
Perdón, pero aquel vochito llamado Herbie sigue siendo el rey total de las pistas de carreras en el cine. La peli original de la década de 1960 está disponible en Disney+. 
Y tú, ¿también tienes tus películas de carreras favoritas? Ya veremos si F1 logra meterse entre tus consentidas a partir de la próxima semana.
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Películas pasa pisarle a fondo

El monero Jis es el mejor referente que tenemos sobre lo que significa crear fuera de los márgenes. En la era de &#8220;lo correcto&#8221;, de la ascensión de los nuevos puritanismos, en los tiempos del neoconservadurismo, del &#8220;eso no se puede&#8221;, del &#8220;eso no se vale&#8221;, de la inmolación del humor, de la satanización de la comedia corrosiva, del miedo a la incomodidad y de las cancelaciones a destajo… sí, en el mundo que vivimos hoy, el arte de Jis nos recuerda la importancia de la transgresión, de la desfachatez y la &#8220;indecencia&#8221;, de la belleza de lo imprevisible y lo visceral.
Molusco es el título del largometraje documental de Mauricio Bidault que gira en torno a la figura de Jis. Y un poco más: nos habla sobre &#8220;la transgresión como valor&#8221;, en palabras del director. El filme tendrá su estreno mundial en el marco del FICG 40 (con una única función ya agotada) y, por tal motivo, hace unos días charlé con Bidault al respecto.
La conversación que tuvimos sobre Molusco me dejó claro algo que ya sabía (pues pude echarle un ojo a la peli durante su postproducción y sus primeros cortes): que no estamos frente a un documental convencional, esto debido a que su protagonista no es convencional.
Estamos ante una película íntima, sí, pero también de opiniones desbordadas, libres y orgánicas, que hace un zoom in profundamente personal a Jis, y que, además, es colectivamente reveladora. Una obra que elige no trazar el retrato del monero desde los datos duros, sino desde la rara sustancia de su mundo interior. Y, sobre todo, a partir de lo que significa Jis para quienes hemos tenido contacto con su arte.
Y es que intentar entender a Jis desde el archivo es, me dijo Bidault, &#8220;imposible&#8221;. Coincido. Su universo —poblado de criaturas viscosas, gags escatológicos y disrupciones poéticas— no se deja atrapar por las rutas cronológicas, ni por la biopic de fórmula, ni por el método académico. De ahí que el director proponga una ruta inversa. Molusco nos cuenta a Jis de dentro hacia afuera. El reto es monumental: este documental intenta filmar no su biografía, sino su cosmovisión.
Poblado en igual medida de voces reconocidas (Guillermo del Toro, Diego Luna, Giménez Cacho, los Tacubos) y de voces cercanas a la vida de Jis (su esposa, Trino), el documental consigue enunciar qué es lo que sentimos frente a la obra de Jis; dichas personas, al verbalizar la relación personal, cultural y/o emocional que tienen con él, consiguen expresar lo que todos pensamos: que a Jis, cuando lo lees, lo estás viviendo y experimentando.
Más interesante aún resulta el hecho de que Jis sirve para reflexionar sobre la libertad de expresión y la pulsión creativa. La libertad que molesta. La que se hace preguntas. La que expresa las cosas que, quizá, sería mejor dejar en el cajón. Cuando la transgresión es pecado, el documental reivindica a un autor que, desde su trinchera dibujada, nos recuerda que el arte no pide permiso. Que qué chido es &#8220;no encajar&#8221;. Que qué necesario es el humor, sobre todo el más delirante.
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Arturo Garibay – el cine que somos

Molusco, el documental de Jis, extiende sus tentáculos

Nos gustan las historias del fin del mundo. Año tras año repensamos los escenarios de la catástrofe definitiva. Y este 2025 no ha sido la excepción, pues para antes de que termine la primera mitad del año, al menos en tres ocasiones habremos vivido el postapocalipsis; ya lo hicimos en El Eternauta y la segunda temporada de The Last of Us , y volveremos a hacerlo a finales de junio en la película 28 años después , de Danny Boyle.
Si revisitamos el fin de la civilización desde la ficción, no es porque seamos catastrofistas (bueno, un poco sí somos) o porque tengamos fijaciones bíblicas (bueno, en las culturas judeocristianas, sí). Es porque la ficción es un recurso &#8220;seguro&#8221; para explorar nuestras preocupaciones. Es, también, un síntoma (no la enfermedad) de la era que nos ha tocado vivir: si nos hemos obsesionado con los cataclismos es porque hemos acumulado desesperanza y queremos comprender qué nos ha traído a este punto. Cuando las ficciones en cuestión son buenas, su impronta no es sólo de derrota o congoja, sino una invitación a la reflexión catártica.
La ficción apocalíptica en el cine y la televisión nos sirve para reconciliarnos con la esperanza, para revisar los claroscuros del comportamiento humano y lo que hemos sembrado en nuestra cultura. 
En este último aspecto encontramos, por ejemplo, temas como los privilegios del individuo por encima del provecho colectivo, algo que se revisa tanto en
El Eternauta como en The Last of Us . Cuando los personajes piensan en sí mismos (algo muy predicado por los gurús de las redes sociales: “sólo importas tú”), todo empieza a irse al garete: no es sino hasta que los personajes empiezan a mirar al otro —a la otredad— y a pensar en quienes les rodean que las cosas parecen enmendarse y que, de paso, encuentran la plenitud para sí mismos. En ambas series, también, el rescate de la idea de comunidad ayuda a crear espacios donde se puede vivir seguro después de la hecatombe. Donde puedes ser “uno” y ser “con otros” al mismo tiempo. Quien va solo se la pasa tirando volados.
Las narrativas del fin de los tiempos también nos invitan a sumergirnos en las ansiedades del aquí y el ahora. Están ambientadas en entornos distópicos, pero dialogan con los temas de nuestro cotidiano: las pandemias, las invasiones militares, los genocidios, la ascensión del neoconservadurismo y otras radicalidades sociopolíticas, la extinción del género humano y su cultura, la opresión, el cambio climático y el desprecio a la agenda medioambiental, la ausencia y/o [híper]presencia de la tecnología. Y mucho más. Las historias pasaron de enfocarse en la ansiedad nuclear (como las que veían los papás y abuelos) para ambientarse en los horrores de nuestros tiempos.
Las historias apocalípticas y postapocalípticas son un entretenimiento muy consumido, altamente popular, es cierto. Pero pueden, si lo permitimos, no ser un entretenimiento vacío. Pueden decirnos mucho si vemos más allá del espectáculo y abrazamos su propósito cultural: hacernos preguntas y conversar nuestras respuestas.

Otra y otra… y otra vez el fin del mundo

Jonás

Sheinbaum en la agenda de Jalisco

Mi pecho no es bodega

Eduardo González Velázquez

El futuro de DACA

Dice la máxima popular que “segundas partes nunca son buenas”. Se me ocurren montones de ejemplos que desmienten el dicho: “Terminator 2”, “X-Men 2”, “Spider-Man 2”, “Hellboy II”, “Paddington 2”, “Top Gun: Maverick”, “Batman: El caballero de la noche”, “Antes del atardecer”, “Star Wars: El imperio contraataca”, entre tantas otras. En efecto, hay muchas excepciones a la regla. “Otro viernes de locos” —secuela del clásico de culto de 2003— tiene todo para formar parte de la lista de las secuelas bien logradas.
Lindsay Lohan —quien en más de tres lustros no había tenido ni un solo estreno estelar en salas de cine— recupera su brío protagónico y Jamie Lee Curtis nos confirma —una vez más— que es una de las figuras incontestables de la pantalla grande. Pero, sobre todo, no han perdido la chispa que hizo de “Viernes de locos” un fenómeno comercial y una película de culto. La química está intacta. Son un dúo dinámico exquisito.
Lohan y Curtis encarnan nuevamente a Anna y Tess, hija y madre, respectivamente. Ambas se encuentran en un momento muy distinto de sus vidas y, aunque su dinámica haya evolucionado, siguen transitando por las confrontaciones naturales que se dan entre madres e hijas. Además, la familia ha crecido: Anna es madre de Harper, está saliendo con Eric (quien también tiene una hija) y ambos tienen planes de boda. Como dicta el canon del cine de “body swap”, los personajes tienen conflictos que resolver, así que la vida les enseñará una nueva lección cuando cambien de cuerpos: las adultas serán ahora adolescentes… y viceversa.
Sobra decir que “Otro viernes de locos” es una película de entretenimiento, una comedia ligera sin mayores pretensiones, incluso estereotípica. Aun así —y con una mirada muy pop, accesible—, la pieza dirigida por Nisha Ganatra se las ingenia para darnos algo en qué pensar: nos presenta a cuatro mujeres consumidas por sus propias preocupaciones, quienes deberán aprender a mirar, reconocer y respetar las necesidades de quienes les rodean. Este filme familiar habla sobre los lazos (sanguíneos o no) que se forjan en la convivencia cotidiana, así como las muchas formas de amor incondicional, incluyendo el que hay entre madre e hija y el que hay entre hermanas. 
El relato entrega una comedia tan atrapante y encantadora que uno puede pasar por alto cualquier fisura en el guion: el espectáculo consiste en gozar de Lohan y Curtis jugando como las campeonas que son.
Pues sí, esta secuela es una muy agradable sorpresa. No sé si está por comenzar una nueva era de “Lohanmanía” (los fans de Lindsay dirán que sí). Pero lo que sí podemos constatar en “Otro viernes de locos” es que el “star power” de la pelirroja sigue intacto, que su presencia en pantalla es eléctrica. Así que si buscas una comedia disfrutable y liviana, “Otro viernes de locos” es una buena apuesta.

“Otro viernes de locos”: Una afortunada secuela