Arturo Garibay

Tremendo novelón se ha armado desde el anuncio del pasado 5 de diciembre. Aquel día supimos que Warner había aceptado la oferta formal de Netflix para vender la compañía, incluyendo sus estudios de cine, sus estudios de televisión, su catálogo fílmico, de series, de gaming, HBO, HBO Max&#8230; todo, menos CNN, TNT Sports y los sellos de Discovery.
El cierre de la venta (es decir, la parte donde se ejecuta el pago, cuando ya hay dinero de por medio y se da el cambio de propietario) tendría que darse hasta la segunda mitad del año, porque para poder vender todavía falta que Warner y Discovery se separen, pues hoy siguen siendo una sola corporación.
La venta a Netflix ha generado preocupaciones con fundamento en lo cultural, lo social y lo económico. Warner es un estudio que ha jugado un rol importante en la consolidación histórica del ritual fílmico: Sus películas se han erigido como fenómenos de la cultura popular gracias a la pantalla grande, un espacio por el que Netflix ha mostrado nulo o poco interés; es más, a veces sus discursos y acciones hacen que uno piense que siente desprecio por las salas de cine. A lo mejor sin quererlo (la empresa de Bugs Bunny es, al fin y al cabo, un negocio), pero Warner ha alimentado y fomentado con sus largometrajes una de las más bellas experiencias colectivas, uno de los más hermosos actos comunitarios: Ir al cine.
El temor es que Netflix deseche ese legado, que lo achique o desestime; sucede que la sensación en la industria es que a Netflix únicamente le interesa lo individual, el claustro doméstico, las pantallas de bolsillo. Para Netflix, las películas no son obras culturales, son “contenido”: Una cosa que sirve para rellenar su vitrina. Esto es peligroso porque, en estos tiempos, con el tejido social tan desgarrado, con el mundo tan polarizado y dividido, el objetivo debe ser recuperar lo social, lo colectivo, lo común, lo nuestro. No fomentar el “yo” que promueven como única alternativa esquemas de consumo como el de Netflix. En streaming, el cine se ve, pero no se comparte (en el sentido humano, no “socialmediático”). En pos del dinero, hay quienes pugnan por desarticular lo que se debe preservar.
Warner ha sido un sello que ha puesto piezas en los cines, que ha puesto piezas en el streaming, en las consolas, en los móviles&#8230; en todas partes. ¿Podría pervivir tal legado con el nuevo dueño? De momento, Netflix dice que seguirá estrenando las películas de Warner en cines, pero reduciendo las ventanas de exhibición, que de por sí ya han sido estrujadas.
También hay preocupación dentro del negocio y en el ecosistema de empleos de las industrias creativas. Los sindicatos lo han expresado al decir que la compra, en la que el gran gigante del streaming absorbería a uno de sus principales competidores, amenaza empleos, salarios y condiciones laborales; asimismo, podría reducir la diversidad de historias y proyectos, encarecer precios y concentrar aún más el poder en pocas empresas. Y agregan: “Esto es lo que las leyes antimonopolio fueron diseñadas para prevenir [&#8230;] Esta fusión debe ser bloqueada”.
Una columna de opinión en Variety ponía en su encabezado: “¿Netflix quiere comprar… o matar a Warner?”. Entiendo la importancia de formular tal pregunta, ya que Netflix ha pugnado por cambiar el paradigma de cómo vemos cine. No por expandir las opciones, no por darnos “un plan B”, sino por privilegiar la alternativa que implica alienación, desapego de la otredad o soledad; la alternativa que implica “solo yo y los míos”.
El streaming es maravilloso, yo lo uso todo el tiempo. Pero no debe sustituir nunca al acto social, no debe reemplazar ninguna experiencia que nos enlace o conecte como humanos, que nos ponga a coexistir en un mismo espacio, con un mismo propósito, como por ejemplo, ver una película al mismo tiempo, con desconocidos en una sala oscura. ¿Es buena idea entregarle lo “comunal” a lo “individualista”? Creo que no.
Empero, la trama sigue dando giros como en toda buena épica de Hollywood. El asunto se ha enrarecido al aparecer una nueva oferta por parte de Paramount, la cual se ha robustecido gracias a que ahora habría dinero vinculado a la familia Trump.
Este lunes, Paramount anunció su contraataque, diciéndole a Warner que están mejorando la propuesta de Netflix. En este momento, Netflix está dispuesto a comprar solamente Warner, HBO, HBO Max y sus catálogos de cine, televisión y gaming; pero Paramount dice “yo quiero todo eso” y más. Sí, Paramount quiere el paquete completo, que incluiría además CNN, TNT Sports, Discovery y Discovery+, lo cual no cubre la oferta de la plataforma de la “N”. Dicen los ejecutivos de Paramount que su oferta en turno es mucho, mucho mejor.
Puede que sea mejor en términos de dinero, pero tampoco es deseable. Primero, porque no se debería permitir que aquellos en el poder (o personas vinculadas a aquellos en el poder) tengan control sobre lo mediático ni lo cultural. Segundo, porque, para que el citado paisaje cultural y mediático sea más justo y diverso, necesitamos más jugadores, no menos. En ambos casos (con Netflix o Paramount, con melón o con sandía), se sigue poniendo el poder mediático al servicio de pocos. El escenario se va acercando al de las distopías de la ciencia ficción.
¿Qué pasará cuando las autoridades entren a dar luz verde o luz roja a la venta Netflix/Warner? ¿Qué camino tomará este relato de suspenso y conmoción? ¿Se respetarán las reglas antimonopolio? Apenas vamos en el primer capítulo de la primera temporada. Lo que lees aquí es mi reflexión inicial, con lo que se sabe hasta el momento. ¿Qué nuevos giros nos esperan? Sigamos informándonos, sigamos compartiendo nuestras reflexiones, pero, sobre todas las cosas, sigamos defendiendo lo colectivo.

Arturo Garibay – el cine que somos

¿Warner bailará con el más feo?

Hay heridas que sanan, que aunque nos dejan cicatrices, sanan al fin y al cabo. Ahí están, por ejemplo, las heridas del cuerpo. Pero hay heridas que no sanan. Son heridas abiertas, eternamente supurantes. Heridas que, a veces, nos incapacitan para seguir adelante: la vida sigue, pero nosotros no. O tal vez seguimos, hacemos como que avanzamos, pero sí que vamos arrastrando ese lastre incorpóreo que resulta más pesado que cualquier yunque. De esas heridas habla “Lo siento, cariño” (Sorry, Baby), el premiado largometraje de Eva Víctor, quien se erige con una corona triple: hace un gran trabajo como directora, guionista y protagonista de su ópera prima.
Agnes es una joven profesora universitaria que recibe la visita de su mejor amiga. El evento nos abre la puerta al mundo de Agnes, el cual está marcado por un hecho indecible y doloroso que vivió cuando era estudiante. Nuestra protagonista observa cómo el mundo sigue adelante mientras ella parece engrapada a aquel horrible y amargo momento.
“Lo siento, cariño” presume todos los atributos del mejor cine indie de las últimas tres décadas: su estética aparentemente sencilla eleva la potencia del drama; el filme rehúye los artificios del cine estadounidense contemporáneo para privilegiar el relato, para poner su sobrio pero sesudo lenguaje fílmico al servicio de sus personajes, espacios y situaciones; la pieza, además, deja patente que las historias más particulares y específicas son las que guardan más resonancias universales.
Entre todas sus virtudes, quizá el gran acierto de Eva Víctor sea contarnos una historia tan dolorosa usando el humor como catalizador, articulando con una comedia amarga el trauma central. En ese sentido, su estructura fragmentada no podría ser más poética ni más coherente con lo que el argumento revisa: la cinta habla también sobre la memoria (a través de las cosas que quisiéramos olvidar, pero no podemos) y sobre la forma e impacto de los recuerdos. ¿Y si queremos, pero no debemos olvidar?
Así, el espectador es testigo de una comedia dramática sobre aquello que nos pasa y que no puede ser expresado con palabras. ¿Y si las lágrimas tampoco alcanzan? ¿Ni las risas? El filme transita también por los caminos de la soledad, el silencio, la amistad, los lazos más significativos y —en cierto momento— la incapacidad institucional para asomarse a lo íntimo y humano. Es una pieza formalmente sencilla, sí, pero rica de fondo. No me tiembla la mano al escribir que debe ser una de las mejores películas estrenadas en este 2025.
En resumen: “Lo siento, cariño” es dolorosa y divertida a la vez. Es reflexiva y catártica. Es imperdible. La ganadora del premio de guion en Sundance merece ser vista y conversada. Mientras la gente nos dice a cada rato que “el tiempo cura todas las heridas”, la verdad es que el trauma disiente de dicha declaración. El trauma dice: “aquí me quedo”. El trauma no trae fecha de caducidad. Es que vivir es un deleite, sí, pero también duele más que nada.

“Lo siento, cariño”: La caducidad del trauma

Hoy llega a los cines “Zootopia 2”. Hace nueve años, la primera cinta representó un éxito mayúsculo para Disney. La pieza no sólo facturó más de 1,000 millones de dólares en boletos vendidos en todo el mundo; también se agenció el Oscar® a la Mejor Película Animada. El nuevo filme la tiene difícil, pues se espera que triunfe en taquilla y que, como mínimo, se anote la nominación. El asunto es que “Zootopia 2” es entretenida y colorida, pero no tiene el brío intachable, la chispa deslumbrante de su predecesora.
Si bien llegará a la carrera por el Premio de la Academia respaldada por la enorme maquinaria de Disney, “Zootopia 2” no debería tenerla fácil. Esto es paradójico porque también se siente (por pura inercia) como si ya tuviera la nominación en la bolsa. En días recientes, la Academia de Hollywood liberó la lista de películas animadas que buscarán ser nominadas al Oscar®: son 35. Así es, treinta se quedarán en el camino. Al menos una decena llega con talante de favorita.
De entrada, hay competencia dentro de casa: “Elio”, de Disney/Pixar, también buscará la candidatura. En gustos se rompen géneros, pero honestamente y en lo general, a mí me gustó más “Elio” que “Zootopia 2”. “Elio” es una cosa que le da calorcito al corazón. El asunto con “Zootopia 2” es que, divertida como es, también me pareció caótica y desarticulada narrativamente, aunque vaya que explora temas importantísimos: la cinta reflexiona sobre la forma en que todos somos hilos del tejido social; que un mundo donde “no cabemos todos” es un mundo fallido; que la justicia social debería estar al alcance de todos; que las diferencias no nos debilitan, nos fortalecen; que el bienestar debe sentirse comunitariamente, no como un concepto definido por las percepciones de aquellos en el poder.
Por otro lado, este año el anime llega con propuestas sumamente exitosas en taquilla: “Demon Slayer: Castillo Infinito” (quinta película más taquillera del año al momento) es parte de las precandidatas; lo mismo aplica para “Chainsaw Man: El arco de Reze” (una de las 30 cintas más exitosas de 2025). La animación japonesa también tiene a “Scarlet”, de Mamoru Hosoda (“El chico y la bestia”), como otra carta interesante. Sus triunfos no han sido en la taquilla, pero pasó por la Biennale di Venezia, donde recogió el premio Nave d’Argento por sus personajes.
Están también en la lista la poderosísima y aplaudida “Arco”, casi con un pie entre las nominadas, si es que a la Academia no le da alguna clase de ceguera frente al arte animado más contundente; las “KPop Demon Hunters”, que son las incontestables favoritas del gran público; la película más taquillera del año en todo el mundo: “Ne Zha 2”, con una recaudación inalcanzable de 1,900 millones de dólares; la hermosa “Little Amélie”, ganadora del premio del público en Annecy y San Sebastián; también hay piezas pequeñas, excéntricas, muy artesanales e indefinibles como “Olivia y las nubes” y “Endless Cookie”, que tuvieron sólidos circuitos de festivales y pasaron este año por el FICG.
En este momento, y con varios títulos pendientes de ver, pensaría que una terna integrada por “Zootopia 2”, “Elio”, “KPop Demon Hunters”, “Arco” y algún título adicional es posible. “Little Amélie”, “Ne Zha 2” (¿su nacionalidad china le juega en contra?) o hasta “Los tipos malos 2” podrían llenar ese hueco. Pero, ¿también es posible una terna sin “Zootopia 2”? El arraigo, poder y tradición de Disney hacen que ese escenario sea casi impensable, incluso si la nueva aventura de la coneja Judy y el zorro Nick no es una cinta magnífica. ¿Tú cómo la ves?
&nbsp;

Animando al Oscar

Hay productos culturales que provocan en su “fandom” un fervor casi religioso. Lo vemos en piezas como “Star Wars”, “Harry Potter”, “FNAF” o el “Snyderverso”; en individuos como Taylor Swift o Rosalía. Sus acólitos ejercen una fidelidad incuestionable —y, en algunos casos muy específicos, hasta tóxica—. “Wicked” también tiene su “fandom”.
¿Cómo se comportará la feligresía de “Wicked” cuando finalmente haya visto la nueva película en los cines? ¿Serán fans críticos o se dejarán llevar a Oz sin ninguna resistencia, solo para caer sin reparos sobre las losas del camino amarillo? ¿Cómo vivirán la experiencia respecto a, por ejemplo, los espectadores “comunes”?
Son esos devotos radicales a quienes “Wicked” no tiene que volver a convencer. Los ha hechizado con sus encantos. Sus pupilas ven en verde y rosa. Pero luego están tanto el fan exigente como el resto del público (que, de hecho, representa la audiencia más grande). En este sentido, si vas a ver la peli por sus bondades estéticas, no tienes de qué preocuparte: sigue siendo una chulada, con una dirección de arte y una cinefotografía de ensueño. Si vas por las voces de Cynthia Erivo y Ariana Grande, las dos siguen cantando como los ángeles. Su “For Good” es épico. Si vas por su discurso sobre la amistad, la justicia, y por ese grito con el que pide que el mundo sea para todos y no solo para quienes retienen los privilegios, su espíritu sigue indemne (y esto es lo más importante).
“Wicked por siempre” es un festín visual y sonoro, sí. “Wicked” es inspiradora en el sentido más pop de la palabra. Pero también es una pieza inferior a la primera cinta. Siento que es imposible no notarlo.
El primer filme nos ofreció —a quienes nos gusta el cine musical (no solo “Wicked”, sino el género en sí mismo)— una experiencia integral: en el filme del año pasado lo visual y lo sonoro vibraban por todo lo alto, así como todos los aspectos dramáticos y narrativos. Aquella fue una pieza de relojería musical, con buen ritmo y con un universo construido impecablemente.
“Wicked por siempre”, en contraste, transita por un camino amarillo que parece calle tapatía: tiene sus baches. El ritmo del relato se cae constantemente, hay situaciones que ocurren casi casi “nomás porque sí”, las grandes revelaciones se sienten anticlimáticas; hasta tiene momentos más aburridos que efervescentes. Y se le nota, precisamente, porque el filme anterior no adolecía de estos males.
Algunos fans (de los recalcitrantes e irredentos) me han dicho que esto es así porque el segundo acto del musical teatral es así. Pues sí, pero “Wicked por siempre” no es el musical del teatro, sino la adaptación fílmica. Para eso están los recursos del lenguaje cinematográfico: para encontrar la mejor forma de contar esa historia audiovisualmente.
“Wicked” es, estructuralmente, una suerte de díptico: la primera mitad es luminosa, colorida, vibrante y envolvente. Ciertamente lo es. La segunda mitad es oscura, apesadumbrada, a veces hasta trágica. El director Jon M. Chu batalla con la cara oscura de la trama: le cuesta darnos esa cosa abrumadora que también define al arco dramático de Elphaba. “Wicked por siempre” no es ni sombría ni fulminante. Su intensidad es intermitente. Se percibe, creo yo, en la entereza del relato y la solvencia del ritmo. ¿Los tornados creativos, mediáticos y argumentales le pasaron factura?
En este punto, he visto dos reacciones entre los incondicionales de “Wicked”: los que ven en “Por siempre” una pieza intachable y los que, con ánimo más crítico, abrazan la película pero señalan sus fisuras. En lo personal, creo que en ella hay cosas para disfrutar y cosas para discutir, para conversar. Esa es la parte más mágica de ver cualquier película.

“Wicked” después del tornado

En 1987 se estrenó “The Running Man”, de Paul Michael Glaser, una película que en su momento tuvo una recepción tibia pero que hoy ha alcanzado estatus de culto. Para quienes la vimos de chavitos (en videocasete y sin permiso de nuestros papás, claro), fue una experiencia impresionante. Schwarzenegger ya había estado en la primera “Terminator” y en “Conan el Bárbaro”; estaba a un paso de la consagración como superestrella del cine de acción. Además, la distopía extravagante que la cinta ofrecía tenía algo… adictivo.
Una vez más, aquella novela de Stephen King (que en nuestro territorio se publicó como “El fugitivo”) vuelve a la pantalla grande con una nueva y lujosa adaptación a la que se le notan los 110 millones de dólares. Las expectativas fueron altas desde el momento en que se anunció que el cineasta detrás del proyecto sería Edgar Wright, aplaudido por su “Trilogía del Cornetto”, “Baby Driver”, “El misterio de Soho” y “Scott Pilgrim”. Después de haber visto su versión de “El sobreviviente” y siendo completista de Wright, me quedo con una sensación muy clara: este filme es el más débil de su filmografía. Aun así, una película “mediana” de Wright es más interesante que el grueso de las producciones comerciales que uno puede encontrar en cartelera.
Pero empecemos por el gran, gran acierto de “El sobreviviente”: su discurso. Wright ha filmado un relato que funciona como espejo de la Unión Americana contemporánea, ese país que ha tenido arrebatos totalitarios por aquí y por allá; un país donde “el otro” es siempre el enemigo; cuyos personajes públicos danzan una coreografía de absurdos sociopolíticos; la nación de las pantomimas mediáticas; el territorio fascinado por los reality shows y los programas de concurso donde el “azar” diseñado te puede cambiar la vida. Digo, sé que esta descripción que he hecho también aplica a muchas otras realidades y gobiernos, pero “El sobreviviente” es una clara postal que hace ficción con unos Estados Unidos de cualidades distópicas y desconcertantes. Y siempre es valioso cuando la ficción nos invita a imaginarnos (o a imaginar al otro) al borde del precipicio. ¿Ese futuro imaginado es prevenible o ya estamos en caída libre?
Hay en la cinta de Wright una suerte de “guerra social” donde aquellos en el poder intentan confrontar al pueblo consigo mismo, pero donde la batalla no es entre nosotros. Es una guerra de clases producida por la inequidad y la voracidad de los poderosos, porque el bienestar se ha entendido como algo exclusivo de los de arriba. Que esto se derrame en una película de Hollywood, de gran estudio, no es frecuente.
Ambientada en un futuro no tan lejano y reconocible, “El sobreviviente” cuenta la historia de Ben Richards, un hombre de la clase trabajadora que pierde su empleo. Con su hija enferma y su esposa doblando turnos, decide ir a una televisora para participar en un programa de concursos y así ganar algo de dinero. Sin embargo, es reclutado para el show más letal de todos, donde tendrá que sobrevivir treinta días consecutivos mientras es perseguido por un equipo de “cazadores” que tiran a matar.
La película deja patente, además, algo que ya sabíamos: que Glen Powell tiene talante de superestrella. Es un “action hero” incontestable y sus escenas de acción son diversión total. Paradójicamente, me ha quedado también la sensación de que Powell representa la mayor debilidad del filme. Así como vende sin fallas las secuencias de acción, creo que se queda corto en los pasajes emotivos, en los instantes de dimensión más humana.
Salí del cine pensando que, ciertamente, la película necesitaba a un actor con atributos de estrella como protagonista, pero con un registro interpretativo diferente (no mejor, diferente) al de Glen. Un actor que, con una mirada o un gesto, pudiera compartirte la desesperanza del mundo que habita; un actor que sí se sintiera de la clase trabajadora, como un humano de a pie, como todos nosotros. Más cercano, más nuestro. Cuesta apropiarse de la cruzada de Powell porque siempre parece “superstar”.
Por otro lado, creo que la cinta deja un raro saborcito a “película de encargo”. Me queda claro el compromiso personal de Wright con el material (por eso, discursivamente, es una película con cierta carga de rebeldía y comentario social), pero pareciera que su estilo —tan característico, tan efervescente— está diluido para favorecer el diseño de un espectáculo más rotundo, más musculoso, para la taquilla. Quizás por eso la cinta fluye atropelladamente; quizás por eso tiene ese final tan accidentado, tan “nomás porque sí”, que te da lo que quieres pero con resonancia emocional limitada.
La flamante “The Running Man” es una pieza de claroscuros, pero sus momentos de luz son suficientes e importantes. Y es que justo ahorita como que sí “andábamos necesitando” un “tecnothriller” distópico de acción sci-fi sobre la inequidad, la frustración social, las narrativas diseñadas por los medios y sobre cómo tenemos —comunitariamente, colectivamente— que privilegiar el pensamiento crítico frente a lo que la tele o las redes sociales nos cuentan del mundo y de la otredad. Será una peli desordenada, pero es un desorden valioso.
&nbsp;

El Sobreviviente: ¿Imaginando el futuro o retratando el presente?

Además de escribir sobre cine, también soy profesor. Frecuentemente me toca escuchar conversaciones de mis estudiantes que intentan ponerse de acuerdo sobre a qué cine irán a ver determinada película. Es que tengo la suerte de tener estudiantes que sí van al cine. El punto es que sus discusiones siempre oscilan entre ir a Cinépolis o ir a Cinemex, e incluso a la Cineteca cuando se trata de ciertos filmes. Muy de vez en cuando aparecen en sus charlas otras salas, como el Cineforo o Cinery, a las cuales me consta que asistieron en los últimos días para poder ver “Frankenstein”, de Del Toro. También hay quienes, de pronto, han visitado el Cine Mayahuel, pero porque ha habido algún evento o proyección de interés muy específico para ellos. Aun así, casi siempre la charla gira en torno a una disyuntiva de dos polaridades: ¿ir a Cinépolis o Cinemex?
La última charla que me tocó escuchar me llevó —no sé por qué— a acordarme de las pantallas de mi infancia y mi adolescencia. Yo fui niño de los 80 y joven de los 90. En mi imaginario urbano aparecen nombres olvidados como Maxi, Bing, Chalita o Musical Lemus.
En la década de 1980 me tocó ver en el cine varios clásicos incontestables como las primeras pelis de “Star Wars” o “Indiana Jones”, las de “Volver al futuro”, los clásicos animados de Disney que reprogramaban en las matinés —como “El libro de la selva” o “Robin Hood”—. Es más, ya en mis días en los que me urgía cruzar el umbral entre la infancia y la preadolescencia, hasta llegué a ir al cine a ver las películas de los Hombres G.

Los templos donde nació mi cinefilia han muerto o se han convertido en algo que sepultó sus almas y tradiciones. Hablo de salas como la Charles Chaplin, allá por López Mateos y Reforma; las salas Lumiere (donde está ahora el Teatro Galerías); el legendario y adorado Cine del Bosque; también el cine que estaba dentro de Plaza del Sol y los Multicinemas de Organización Ramírez que estaban enfrente, hasta las salas “Gemelos” (yo llegué a ir mucho a la que estaba donde hoy es Cinépolis Plaza México). ¡Y ni qué decir de los Cinematógrafos! ¡Favoritísimos!
Me acuerdo también del Familiar Reforma, que es el que, en mis recuerdos, asocio con las matinés. Pero había más: las salas Del Ángel, el Variedades, el Gran Vía, el Ideal; creo que me acuerdo del Cine del Centro y de otros a los que no creo haber ido, pero sí haber visto, como el Alameda o el de Las Américas. Y luego está el Cine del Estudiante, del que sólo quedan sus despojos.
Pues nada, esos son algunos de los cines que me tocaron a mí. Sin butacas numeradas, sin crepas ni frapés, sin asientos reclinables para VIPs. Me gustan los cines de hoy, claro, pero aquellos santuarios fueron donde me enamoré del cine. Sólo éramos yo, mis palomitas y la pantalla plateada que, en la oscuridad, revelaba su magia.

Cines de ayer

Los nombres de Saul Bass, Burt Kleeger, Boris Vallejo, Richard Amsek, Renato Casaro, Bob Peak y John Alvin, entre tantos otros, forman parte de la historia de Hollywood gracias a los legendarios, indelebles carteles de cine que crearon. A esta lista pertenece también Drew Struzan, fallecido recientemente y quien le dio identidad visual a películas icónicas como “Volver al futuro” o “Indiana Jones y la última cruzada”, por citar algunas. 
A Struzan, de hecho, se le hizo un documental hace unos 12 años: “Drew: The Man Behind the Poster”. Ahí se revisa su legado y uno puede disfrutar de testimonios de realizadores y estrellas como Spielberg, Lucas, Del Toro, Darabont, Harrison Ford o Michael J. Fox, quienes reflexionan sobre la obra del citado virtuoso al servicio del arte fílmico.
El cartel de cine es un objeto muy singular. Es, por ejemplo y para muchos, un objeto de deseo. Hay quien lo codicia con tanto o mayor ahínco que a las películas mismas, porque a través él podemos ejercer de manera instantánea, en un rectángulo de papel, nuestra cinefilia entera sin tener que estar dos horas frente a una pantalla. Un buen póster despierta el apetito del coleccionista, la lascivia del esteta y la efervescencia del fan, según el caso. El cartel es eso y más, muchísimo más.
Cuando miro un póster sé que alguien me está haciendo una promesa. No cualquier promesa, sino la promesa del cine. Y también empieza un cortejo que se me antoja que sea idilio, romance apasionado y, al final, amor eterno. Los grandes artistas del cartel de cine hacen su magia para esconder detrás del couché las seducciones y juramentos de directores, guionistas, actores y demás artistas del Séptimo Arte, sus súplicas para que nos decidamos a encontrarnos con ellos en la pantalla grande. En un área de 70 por 100 centímetros se nos ofrece esperanza, se nos firman pactos e, insisto, se nos hacen promesas que, de romperse, duelen hasta el tuétano.
Ciertamente, también hay quien mira al cartel con frialdad y pragmatismo: Para los estudios de cine, distribuidores y exhibidores, el póster es –por antonomasia y a la par del tráiler– el dispositivo promocional por excelencia. Sirve para crear “conciencia de producto o de obra”, es decir, para hacernos saber que cierta pieza fílmica existe y que pronto estará en las salas de cine. Se le usa, claro, como una herramienta de marketing que se coloca y luego de desecha.
Afortunadamente, nosotros (los espectadores) tenemos una relación más rica, más especial, con ese rectángulo de papel. Entendemos –aunque no lo articulemos con palabras– que en los carteles hay arte y artesanía, algunos de ellos se erigen como obras trascendentes en sí mismos; que los grandes carteles no sólo publicitan, también hacen posible la conversación fílmica, que son apéndice vital del acto cinematográfico, que algunos de ellos nos llevan a la ensoñación, que emocionan y ponen la cinefilia en punto de ebullición.
Lo que Struzan (quien muchas veces habló de la “promesa” que ya mencioné), Bass y Casaro –o, en la actualidad, Neil Kellerhouse, Vasilis Marmatakis, Celie Cadieux y tantos más– han logrado sólo puede explicarse a través de la alquimia: a punta de hechicería han conseguido capturar el alma de las películas para atraparla en una marquesina. Su poder es el de dibujar el espíritu fílmico en una imagen estática de dos dimensiones. Hay que tener poderes mágicos para lograr algo así.

Arturo-Garibay

El cartel: una promesa en papel

¡EXPLOSIVA! Una sola palabra describe —y, a la vez, no alcanza para describir totalmente— la experiencia hiperbólica e indomable que ofrece “Chainsaw Man: La película” —“El arco de Reze”, flamante largometraje que rompe el largo ayuno forzado al que habíamos sido sometidos los televidentes de este “shōnen” de popularidad ascendente. El largometraje del estudio Mappa no sólo ha cumplido con nuestras expectativas (hablo en plural porque siento que muchos fans coincidirán con mi percepción), sino que las ha superado.
Si ya estás iniciado en la mitología de “Chainsaw Man” y eres seguidor de esta serie de anime, debes saber que “El arco de Reze” resulta ser una grata y exorbitante sorpresa, una película rebosante de secuencias de acción orgiásticas, puro rococó “animesco”, estridente y colorida hasta el paroxismo. Pero no sólo eso: es también una cinta argumentalmente rica y de identidad doble, pues su primera mitad es como una peli romántica, mientras que la segunda se erige como una pieza de acción salvaje. Quepa aquí decir que el filme tiene clasificación C, sólo para adultos, por sus imágenes sexualmente sugerentes y violentamente arrolladoras.
Retomando el asunto de sus dos identidades dramáticas, lo que más me ha convencido del largometraje de “Chainsaw Man” es que en él encontramos un romance adolescente muy bien bordado, que sabe a “coming of age”, a relato sobre la primera disyuntiva amorosa, a crónica sensible del despertar sexual. En contraste, también cabe el frenesí demoníaco que distingue a la saga, ahora llevado hasta el exceso, al territorio del “shōnen” más desgarbado.
Lo del “coming of age” en estas historias no es una novedad, pero sí sorprende la sensibilidad con la que “El arco de Reze” lo maneja. De manera recurrente, este género del anime (el “shōnen”) utiliza la maduración masculina como catalizador narrativo (y lo hace, también casi siempre, a través de algún dolor o trauma). No importa si se trata de Mazinger Z, Saint Seiya, Fullmetal Alchemist, Demon Slayer o My Hero Academia, el adolescente tiene que cruzar los umbrales de la maduración y asumir que —según le han dicho— la vida es una serie de batallas donde la victoria parece inalcanzable. Le pasa también a Denji, el prota de “Chainsaw Man”, un chico que tras una experiencia casi mortal, termina fusionándose con una criatura llamada Pochita (súper favorita de los fans), lo que le proporciona el poder de convertirse en una motosierra antropomorfa que caza demonios.
El Denji que encontramos en “El arco de Reze” es un chico que cree que se ha enamorado, y eso lo pone en conflicto. Su batalla (en primera instancia) es hacia adentro de sí mismo, hacia las emociones y deseos adolescentes que le hierven. ¿Será su romance pura dulzura y vendrá acompañado de la mentira y el desengaño? Rápidamente descubre que no sólo tendrá que pelear con el corazón, sino también con los puños (o, mejor dicho, con sus sierras), porque así lo dicta el canon de su aventura.
Huelga decir que el trabajo visual es espectacular. Empero, por momentos (hay que reconocerlo) la sobreestimulación es excesiva y no me extrañaría que parte del público lo resienta. Aún así, los de Mappa son expertos en su oficio y ya nos han acostumbrado a esperar animaciones de primer nivel, de excelencia incontestable. Si puedes, lánzate a verla en IMAX o en la pantalla más grande que encuentres, porque no tiene desperdicio visual ni sonoro. Cero grasa, pura proteína. Y harta sangre.

“Chainsaw Man”: Con la potencia de una motosierra

Miguel De La Rosa Figueroa

Arranca la 4T la entrega de viviendas

Mirza Flores

Tlajomulco: crear, gestionar y cumplir

Staff quiero tv

Mi pecho no es bodega

Jonás

México en el conflicto Venezuela – EU

José Manuel Romo Parra

El bien de Jalisco y Guadalajara no se regatean

Tenemos que hablar de “Avatar: Fuego y cenizas”. No sólo porque se trate del último gran estreno del año, sino porque ya he empezado a ver cómo divide opiniones. Aquí es justo apuntar que no, yo no soy el más fan de la saga de James Cameron y, sin embargo, reconozco que las tres películas de la franquicia me han parecido muy divertidas: Pura entretención y una gran demostración de cine maximalista que aporta, incluso, más de lo que se ve a simple vista.
Dicho esto, asumo que ha quedado claro que la tercera entrega es puro espectáculo, pura exuberancia audiovisual, un gran show técnico y artesanal. La cinta tiene escenas de acción impresionantes, efectos visuales de punta, un acabado estético prístino y un universo envolvente, con personajes que nos gustan y nos preocupan.
La buena noticia es que, además, “Avatar: Fuego y cenizas” sigue siendo un despliegue hollywoodense que nos da contenido sustancioso con carácter accesible: De nueva cuenta, el relato acentúa su discurso sobre la batalla entre el mundo humano y el mundo natural, sobre la codicia de nuestra especie, sobre la defensa del territorio y sobre aquellos que invaden para apropiarse del patrimonio ajeno. Estas temáticas son mi parte favorita de esta mitología, bordada por los hilos de la ciencia ficción y la fantasía.
Pero —aquí viene el pero— tengo que decir que esta tercera cinta me ha parecido reiterativa. Primero, porque repite lo que ya se dijo en las entregas previas; vuelve sobre lo mismo. Los temas son ricos e importantes, pero el comentario no se expande (como sí sucedió entre la primera y la segunda cintas). Segundo, esto provoca que la nueva trama empuje poco hacia adelante: Es como si hubiéramos avanzado lo mínimo en términos argumentales. Yo salí muy entretenido, pero con la sensación de estar un poco atorado en el mismo lugar. ¿Será porque vamos por la mitad del relato? (Recordemos que nos quedan dos películas por delante: una para 2029 y otra —la conclusiva— para 2031). Esta reflexión queda como tarea para todos los “estructuralistas” de los arcos dramáticos en cine.
En fin, subrayo que es entretenidísima: Las más de tres horas arden como el fuego (o se van como el agua, según se prefiera). Pandora sigue en la cumbre del maximalismo hollywoodense. Es épica. Es sci-fi. Es excelencia plástica. Es comercial. Y es un evento de los que me gustan, porque nos da una excusa para reunirnos todos en el territorio común que son las salas de cine, sin importar nuestras diferencias. Porque frente a la gran pantalla, de pronto, estamos unidos otra vez. Todos peleamos del lado de los Na’vi por la libertad, por la igualdad, por la interconexión con los otros —sin importar si son iguales o diferentes a mí—, contra el colonialismo, contra el extractivismo. De pronto, todos juntos aplaudimos la empatía, el respeto y la resistencia justificada. Y todo por culpa de unos “monotes” azules de otro mundo que, si miramos de cerca, podríamos ser nosotros. Nomás que no somos: Todavía nos parecemos más a los malos de ese cuento.

El espectáculo de “Avatar: Fuego y cenizas”