Arturo Garibay

Fui niño en los 80 y, claro que sí, fui &#8220;generación He-Man&#8221;. Vi las caricaturas de los “He-Man y los Amos del Universo” con fidelidad y jugué con sus &#8220;monos&#8221; hasta hartarme. Recuerdo que entre mis figuras originales estaban el Battle Armor He-Man, Skeletor, Man-At-Arms, Beast Man, Mer-Man y Faker, y ni qué decir de las figuras de &#8220;plástico tianguero&#8221;, que siempre fueron mis favoritas porque aguantaban toda la carrilla. Con esas se completaba la colección: Trap Jaw, Teela, Triclops, en fin. Los dibujos animados de la tele, las películas, los juguetes, los tiliches y el universo de dicha mitología dejaron su estampa en mi infancia y en tantísimas otras.
Dirigida por Travis Knight (“Kubo”, “Bumblebee”), llega una flamante aventura fílmica de los “Amos del Universo” que cuenta la historia de Adam, el príncipe de Eternia, quien crece exiliado en el planeta nativo de su madre: la Tierra. Sí, nuestra Tierra. Sin embargo, el joven logrará volver a casa para descubrir que Skeletor ha triunfado e impuesto su régimen de tiranía y maldad. Con la ayuda de Teela y Man-At-Arms, Adam descubrirá la magia de la Espada del Poder para enfrentar al villano y recuperar su mundo.
Inspirada en el universo creado y popularizado por la marca de juguetes Mattel, “Amos del Universo” es un relato divertidísimo, quinético y exuberante, pero también frívolo y discursivamente tibio. Se sabe que esto último me choca. Ya hemos discutido previamente en este espacio que una película puede ser descaradamente comercial, consumismo puro, y, al mismo tiempo, puede ofrecernos algo en su discurso. El filme de Knight arranca con dos promesas: que nos ofrecerá un relato sobre el significado del poder y sobre las distintas miradas y discusiones que se han gestado hoy en torno a la masculinidad. Ambas promesas se quedan en el aire, incompletas. Lo que Mattel hizo bien con “Barbie” (una exploración sobre la autoestima y lo femenino en el mundo contemporáneo), no lo logra en este caso, donde, además, tenía sentido hacerlo, pues imbuir &#8220;significado&#8221; y reflexión al entretenimiento era uno de los sellos originales de la serie animada ochentera.
Aun así, hay que reconocerle a Knight, Mattel, Amazon MGM y Sony Pictures la sólida intentona por sentar las bases de un nuevo cosmos diegético para He-Man y sus personajes. El largometraje ofrece un planteamiento original sobre un imaginario pop que ya conocemos bien. Empero, no sé si me convencieron del todo con el tratamiento dado a muchos personajes y/o elementos de la mitología original. Quizás los que más he resentido sean los relacionados con dos piedras angulares de la saga: los borradísimos Cringer y Orko. La verdad es que otras franquicias han hecho esto mejor: crear un lienzo propio para el escaparate cinematográfico mientras honran el legado. Aquí está logrado a medias.
“Amos del Universo” es un espectáculo de gran escala y decisiones creativas irregulares. La película es un dechado delirante de efectos especiales de calidades distintas: a veces, geniales; a veces, &#8220;chafas&#8221;. El filme quiere ser &#8220;camp&#8221;, quiere ser “kitsch”, quiere ser extravagante, quiere ser chabacano y regodearse en la estética de la fantasía ochentera, pero le da timidez meterse de lleno en ese terreno. Lo hace con temor. Además, mientras algunos personajes presumen conceptos dramáticos y acabados estéticos bastante buenos (Man-At-Arms, Skeletor, Beast-Man, Teela, Ram Man); otros rayan en el cosplay de mala calidad (a la que más se le nota es a Sorceress). Donde la película triunfa sin problemas es en el humor: los chistoretes son efectivos y la comedia &#8220;autorreferencial&#8221; funciona bien.
“He-Man y los Amos del Universo” (la mitología original) fue un relato sobre la lucha del bien contra el mal que muchos abrazamos&#8230; y seguimos abrazando. Representaba, también, una oportunidad para imaginar un mundo diferente, un mundo donde los seres más dispares y absurdos podían coincidir y coexistir, un mundo donde el tirano es sometido y castigado siempre, donde se libra la lucha por una justicia accesible para todos. Incluso hay personas que, gracias a aquella caricatura de fantasía, ciencia ficción y romanticismo planetario, recorrieron por primera vez los caminos del descubrimiento de la identidad.
Sí, “He-Man y los Amos del Universo” fueron importantes, trascendieron su propósito: ser un comercial de juguetes. Aquella historia terminó por crear un territorio común entre los niños de su época.
Tal vez por eso es que tengo una relación tirante con la nueva película: porque consigue entretener, pero rehúye la tradición trascendente (en un sentido &#8220;pop&#8221;) de su inolvidable material primigenio. Para mí, los “Amos del Universo” fueron más que un chistorete o una chabacanada: fueron juego e imaginación, fueron solaz, fueron motivo para tejer lazos con otros, para ser chiquillos que se maravillaban ante las hipérboles, las hazañas y la posibilidad de soñar con un mundo donde el bien siempre gana. Perdón si no me conformo con bromas fáciles, explosiones, ocurrencias y estridencias. Me entretengo, sí, pero no me conformo.

Arturo-Garibay

“Amos del Universo”: ¿Por el poder de Grayskull?

Fulminante. Un poeta, de Simón Mesa Soto, es un largometraje colombiano que te somete, una pieza sobre el deseo de &#8220;ser y existir&#8221; bajo los términos propios o, si no hay más remedio, vivir el éxito a través de los demás; sobre la dispareja relación entre voluntad y talento; sobre el fracaso y las malas decisiones, los demonios internos, la complejidad de los entramados familiares, los vericuetos y toxicidades del mundo del arte, sobre los sueños (míos y del otro), todo enclavado en una realidad social adversa que pone a sus personajes en un &#8220;cuesta arriba&#8221; perpetuo. Y, ciertamente, es una película que nos recuerda aquella frase del De nugis curialium que dice: &#8220;No dejarás buena acción sin castigo, ni mala sin recompensa&#8221;.
Óscar es un poeta alcohólico, divorciado, desempleado, que todavía vive en casa de su madre bajo la excusa de que la está cuidando. Él quiere dedicarse de tiempo completo a la poesía, pero su talento es puesto en tela de juicio. A regañadientes, Óscar acepta trabajar como profesor en una secundaria, donde conocerá a Yurlady, una chica de bajos recursos, consumida por su compleja realidad social, que tiene un talento innato para la poesía. Nuestro protagonista tomará como cruzada personal convertir a Yurlady en el próximo fenómeno de la poesía en su ciudad.
Ubeimar Ríos es el encargado de interpretar al protagonista. Lo hace de manera contundente, con una entereza y convicción asombrosas. Ríos no es actor profesional. Es un profesor antioqueño que gusta de la poesía (cosa que comparte con su personaje), un padre de familia que aprecia la cultura.
Un poeta recorre los vericuetos de la comedia y el drama social; el resultado es un relato agridulce, de tristezas que buscan la posibilidad de un poema feliz. Por un lado, encontramos a un Óscar sumergido en el fango de su fracaso, de su impotencia, oprimido por sí mismo y por un entorno que no le deja espacio para maniobrar por la vida. En tanto, Yurlady atraviesa la pubertad como cualquiera: con dudas, con desinterés, con el desánimo que le inyecta el mundo agreste que habita; una juventud contenida. Óscar asume que Yurlady es su misión porque podrá, a través de ella, experimentar algo cercano a un triunfo. Sí, te lo has imaginado bien: eso solo puede terminar mal.
La disparatada circunspección de Un poeta nos lleva a internarnos en un largometraje de severidad contundente y de absurdos corrosivos. Mesa Soto recurre a los recursos de la sátira para hacer papilla a su protagonista y, de paso, a la audiencia, por todas las cosas —y decisiones— de Óscar que podemos encontrar (o que alguna vez existieron) en nosotros mismos. El protagonista es desacreditado para mostrar que el premio o el castigo por nuestras acciones a veces llega por ruleta. ¿Tras tantos días sombríos, puede de pronto salir el sol?
Con un trabajo de cinefotografía encomiable a cargo de Juan Sarmiento, quien hace &#8220;poesía&#8221; con el formato de 16 mm, Un poeta es una propuesta muy entera de cine latinoamericano que ya se encuentra en streaming. “Heme aquí, un hombre, anticuado dinosaurio, merecedor de condenas [&#8230;] Más no pierdan su fe en este poeta triste…”

Un poeta”: Fallar es humano

Una noche infernal es lo que viven una madre y sus hijos en “No dejes a los niños solos”, el nuevo filme de Emilio Portes. Esta película mexicana ofrece una experiencia de cine de terror sin concesiones, que empuja a sus personajes hasta el quiebre total, acercándolos a un destino aciago y, de paso, dejando perplejos a los espectadores.
Catalina (Ana Serradilla) es una madre soltera que acaba de mudarse con sus dos hijos (Ricardo Galina y Juan Pablo Velasco) a la casa que acaban de comprar. Una noche, la joven viuda tiene que salir para atender un asunto muy, muy importante para el futuro de su familia. Por tal motivo, tendrá que dejar a los chicos solos en casa por un par de horas. Tanto la madre como sus niños vivirán su propia noche de horrores conforme se vayan revelando los secretos de la propiedad.
El director de “Pastorela y Belzebuth” asume con entereza los riesgos y osadías de su nuevo filme, sobre todo en lo concerniente al hilo trágico que zurce la vida de sus protagonistas. Así, “No dejes a los niños solos” se erige como un relato rebosante de desconcierto y de peligros latentes, donde el carácter preternatural de la amenaza coexiste con peligros más terrenales: desde las intenciones y ardides ajenos hasta las animosidades de la convivencia cotidiana en los territorios domésticos.
Para crear un entorno familiar inflamable, Portes no se conforma con explorar los dispositivos de las historias de &#8220;casa embrujada&#8221;; también articula a sus personajes con rasgos dolorosamente reconocibles: el trauma (un evento del pasado ha dejado una cicatriz en madre e hijos), el vacío que deja la ausencia del otro, las expectativas (como las que recaen en las madres solteras o en los hermanos mayores) y las angustias que se producen cuando tomamos una mala decisión que conlleva consecuencias desproporcionadas.
Además, “No dejes a los niños solos” es una pieza sobre la batalla campal por ser &#8220;el hijo favorito&#8221;, etiqueta que lleva una carga de fantasía y pesadilla en igual medida. Freud dijo que &#8220;el hijo favorito conserva el sentimiento del conquistador&#8221;: se libran batallas por ese sentimiento, por ganar el territorio afectivo, por estar en el epicentro de la atención materna o paterna, por ser aquel que recibe un amor sin diezmos, sin reservas. Ese impulso coloca a muchos en posición de ataque. En el contexto del favoritismo y de la expectativa, el director de “El crimen del Cácaro Gumaro” dota a los personajes de atributos tan entrañables como repelentes. Es fácil apreciar y despreciar a un personaje de una escena a otra, incluyendo a los chavitos. La fricción es constante.
Si eres amante del cine de género y/o ya tienes una relación previa con el cine de Emilio Portes, esta película es para ti. Si estás buscando terror mexicano que apuesta por el atrevimiento, lo mismo aplica.

Tensión en casa: “No dejes a los niños solos”

“La misteriosa mirada del flamenco”, de Diego Céspedes, guarda enigmas de amor y dolor; sobre todo, de amor. El filme, premiado el año pasado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, es crudo y poético a la vez. Su propuesta formal es la de recorrer los vericuetos del cine de maduración, así como del melodrama “queer” (y hasta del wéstern), propagando su mensaje como un hechizo.
Ambientada en un pueblo minero en el Chile de 1982, este relato coral utiliza como pilastra emocional a Lidia, la única niña de su comunidad. La chica vive con su madre (Flamenco) y un grupo de travestis en una casa de mala reputación. A todas ellas se les acusa de ser las causantes de propagar una maldición desconocida usando el maligno poder de sus miradas. Un amante resentido provocará una tragedia que marcará el futuro de nuestros personajes. ¿Qué se hace con semejante dolor? ¿Puede el amor abrirse paso cuando el deseo de venganza crece por dentro?
De acabado visual magnético, tono atrapante y argumento estimulante, “La misteriosa mirada del flamenco” explora los albores de la crisis del SIDA, mezclando tragedia y fantasía; violencia y sororidad; rechazo y lazos afectivos. Es una pieza que utiliza la manta de la ternura para arroparnos en el universo de sus singulares personajes, quienes eligen forjar un lazo irrompible, una trinchera contra un mundo hostil, abiertas a la redención del otro y al perdón.
El largometraje de Céspedes, aun en sus momentos más oscuros, apuesta por el poder de la mirada y todas las cosas que puedes encontrar en ella cuando observas a los que te rodean más allá de la superficie: es un filme sobre la búsqueda de la bondad y sobre cómo, juntos, podemos cambiar nuestra suerte. Es una película que invita a no dejar de amar, ni con el cuerpo, ni con las palabras, ni con el corazón… ni con la fuerza de tus ojos.

“La misteriosa mirada del flamenco”: Un hechizo de amor y dolor

Se sabe que, si se estrena una película sobre “bucles” o “time loops”, voy a ir corriendo a verla. Las historias de bucles me parecen siempre interesantísimas (incluso aquellas que podrían no estar tan bien logradas) porque nos permiten experimentar algo que es imposible en la vida real: tener una oportunidad adicional para afrontar un momento maltrecho de nuestra vida con la esperanza de, ahora sí, no meter la pata.
No importa si se trata de una comedia como “Groundhog Day: Hechizo del tiempo”, de una aventura de ciencia ficción como “Al filo del mañana” o de una jornada aterradora como “Feliz día de tu muerte”. En todos los casos, el protagonista afronta la “maldición” de estar atrapado en un ciclo sin fin. Detrás de tal predicamento se esconde la oportunidad de poder modificar los errores previamente cometidos y de reinventar —reimaginar— la propia historia.
Dicho de otro modo, del otro lado del “loop” casi siempre le espera al “prota” algo parecido a la liberación, la emancipación, el aprendizaje, la supervivencia, la transformación. Lo más nuevo del “cine de bucle” que ha llegado a la cartelera local es el largometraje japonés “Exit 8”.
Un hombre que viaja en metro rumbo al trabajo carga con una culpa. Al tratar de abandonar la estación, descubrirá que le resulta imposible llegar a la salida. Los pasillos parecen repetirse hasta que encuentra un letrero con instrucciones: debe caminar siempre hacia adelante; sin embargo, si encuentra una “anomalía” en su trayecto, debe dar marcha atrás.
“Exit 8” es una pieza en la que conviven recursos de la ciencia ficción y el terror psicológico: nuestro personaje central parece incapaz de superar sus fallos, sus flaquezas, su indecisión e, incluso, sus dolencias físicas. Este personaje, hay que decirlo, a veces puede resultar frustrante. Empero, los amantes del cine de género encontrarán en este filme dirigido por Genki Kawamura (productor de las aclamadísimas “Monster” y “Your Name”) una aventura entretenida que entrega lo que su premisa promete.
Estrenada en la competencia oficial de Sitges (el festival de cine de fantasía más importante del mundo), “Exit 8” es bucle total. Es cierto que hay aspectos de su mecánica interna y del desempeño de sus personajes que pueden ser cuestionados, pero la atmósfera general que la cinta entrega está bastante lograda: si se lo permites, puedes quedar atrapado también.

“Exit 8”: Otra vez un bucle

Han pasado 20 años de “El diablo viste a la moda”, una película de resonancia incontestable en el acervo de la comedia estadounidense del siglo XXI. Miranda Priestley (Meryl Streep), Andy Sachs (Anne Hathaway), Emily Charlton (Emily Blunt) y Nigel (Stanley Tucci) son personajes que hoy forman parte indeleble de la pasarela de la cultura pop; son reverenciados e imitados por sus fans, para quienes el reencuentro con este icónico cuarteto será bálsamo, celebración y ratificación en igual medida.
Antes de escribir cualquier otra cosa, he de establecer que “El diablo viste a la moda 2” me ha parecido una secuela digna. No es, claro, una pieza que alcance las inigualables virtudes de la original, pero sí es una cinta eficiente: su comedia es discreta, pero disfrutable; el elenco muestra que, dos décadas después, sigue teniendo dominio total sobre sus personajes; la atmósfera es totalmente “Runway”; el tono, la estética y el imaginario son consistentes con los de la cinta original. Hasta ahí, todo bien, todo correcto. Como he dicho, una secuela digna.
Pero la mejor parte de esta “continuación” no es la forma en que reproduce los códigos, dispositivos y “tropos” de la primera cinta, sino el tema que aborda en esta ocasión: el filme es un relato sobre el papel de los medios de comunicación tradicionales, la crisis editorial contemporánea, la imperativa necesidad de contar con un periodismo formal, y la manera en que la prensa de carrera (la prensa profesional, de oficio, de gran combate, ya sea de “hard” o de “soft news”) ha tenido que hacer frente a la efervescente oleada de opinionistas, chismólogos, aficionados e &#8220;influencers&#8221; que pretenden (que fingen) hacer trabajo periodístico.
En “El diablo viste a la moda 2”, Andy se ha quedado sin trabajo en el periódico donde escribía, incluso tras haber ganado un importante premio de periodismo; por su lado, Miranda atestigua cómo su legendaria revista (Runway) ha quedado reducida a una experiencia de “swipes”, “likes”, “clickbaits”, algoritmos caprichosos, posteos efímeros y seguidores erráticos.
El camino de ambas vuelve a cruzarse cuando Andy es contratada como la nueva editora de artículos de investigación de Runway para —en primera instancia— apaciguar un escándalo que ha provocado que Miranda y la revista sean &#8220;funadas&#8221;, como se dice coloquialmente. Ambas iniciarán una travesía por preservar el carácter formal y profesional del oficio editorial que ejercen, incluso si tienen que navegar contra los intereses corporativos vigentes, los berrinches de los anunciantes, la competencia desequilibrada y el cambiante entorno informativo. Todo esto, claro, con el lenguaje de una comedia ligera, accesible, de entretenimiento, de cine prêt-à-porter.
De este modo, el filme dirigido nuevamente por David Frankel apuesta no solo por la diversión accesible, por una trama cómoda y por armarnos un reencuentro sin fricciones ni confrontaciones con sus personajes; también aprovecha su escaparate para invitarnos a pensar en el vacío vital que quedará si permitimos que el periodismo entendido y competente sea devorado (o &#8220;sustituido&#8221;) por remedos artificiosos que parecen periodismo, pero que no lo son.
Para mí, “El diablo viste a la moda 2” fue una experiencia agradable y completa. La peli me pareció entretenida (menor que su antecesora, sí, pero es que no hay manera de igualar a semejante titán) y, al mismo tiempo, me sorprendió al aportar una revisión (como parte de su telón de fondo, de su entramado contextual) de un tema que me preocupa y ocupa en este momento. Ojalá que también la disfrutes.

Una secuela muy “a la moda”

Del 17 al 26 de abril se llevará a cabo la cuadragésima primera (41) edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara. El evento se ha consolidado como uno de los puntos de encuentro más importantes para la industria iberoamericana gracias a su selección competitiva, a sus nutridas actividades de industria, a sus eventos de formación, a sus fiestas y alfombras rojas y a su programación diversa en géneros y discursos. Esto último es de relevancia particular porque no debemos olvidar que el FICG es una fiesta fílmica y, por tanto, las películas son las grandes estrellas.
Este año, el programa viene coronado por títulos relevantes que han pasado por festivales reputados. Tomemos como ejemplo la película inaugural, “Moscas”, de Fernando Eimbcke, pieza que desembarca en el FICG tras haber formado parte de la Competencia Oficial de la Berlinale, donde buscó el Oso de Oro. El relato gira en torno a una mujer que, de manera inesperada, forja un lazo con un chico que llegará a transformar su rutina.
Otros títulos traídos de la Berlinale son la producción española ganadora del Teddy, “Iván &amp; Hadoum”, de Ian de la Rosa; la brasileña “Feito Pipa”, de Allan Deberton (Premio Maguey); la esperadísima pieza de gala Maguey titulada “Rosebush Pruning”, de Karim Aïnouz; así como “Truly Naked”, de Muriel d’Ansembourg (Panorama Internacional).
También llegan historias que ya iluminaron las pantallas de otros certámenes como “Alpha”, de Julia Ducournau, que competirá en la sección Cine de Género tras haberse estrenado el año pasado en la competición estelar del Festival de Cannes. En tanto, la mexicana “En el camino”, ganadora del premio Horizontes en la Biennale di Venezia, tendrá su estreno nacional en la fiesta tapatía. La pieza de David Pablos pinta para ser una de las más comentadas del cine nacional cuando llegue a cartelera este mismo año.
Un festival que le ha heredado varias cintas a Guadalajara es el de Málaga, evento de reputación siempre ascendente y que se ha convertido en referente a la hora de impulsar la visibilidad del cine iberoamericano. Su premio, la Biznaga, es muy codiciado. Los títulos que ya pasaron por ese festival son “Hangar rojo” (que recogió el galardón de la Crítica), “La hija cóndor”, “Oca” y “Pioneras: Solo querían jugar” (ganadora del Premio del Público).
No menos importantes son los títulos que tienen sus premieres mundiales en el marco del FICG. Hay, en especial, una gran variedad de largometrajes nacionales que verán la luz por primera vez en las pantallas de Guadalajara. Así, Jalisco se convierte en un mosaico para descubrir cine inédito, nunca antes visto, o para cazar las joyas que ya han enamorado a la élite de los festivales globales. ¡El FICG nos espera en la Cineteca tapatía, pantallas selectas de Cinépolis y muchas otras sedes! Recuerda buscar la programación en <a href="http://ficg.mx">ficg.mx</a>.

FICG 41: Con películas de talla mundial

&#8220;Es una cinta para niños&#8221;, argumentan los defensores acérrimos de “Super Mario Galaxy: La película”, ante la copiosa tanda de textos negativos que la crítica especializada ha escrito sobre este taquillerísimo estreno. Se infiere de esa frase una cosa que me incomoda: que el cine infantil es un cine &#8220;menor&#8221;, insignificante, pequeño, sin valores fílmicos, que no vale la pena tomar en serio. No es así. El cine infantil ha dado películas enormes; es importante y tan contundente como cualquier otro. Es un cine grande porque apela a un público enorme y valiosísimo: un &#8220;público nuevo&#8221;, un &#8220;público del futuro&#8221;, un público de mirada prístina y entusiasmo inagotable.
&#8220;¿Qué hacen los críticos reseñando una película para niños?&#8221;, es otra de las preguntas recurrentes del fan que se incomoda cuando lee algo feo sobre el filme de “Illumination” y Nintendo. Quizá convenga dejar claro que el papel de la crítica cinematográfica es variado y que a la crítica le atañen todas las películas, todo el cine, incluso si lo que la crítica escribe no se alinea con el sentir del “fandom”.
Los críticos serios —que no los comentaristas ni opinionistas de internet— embisten su oficio con diferentes perspectivas: algunos escriben textos que sirven para tender puentes entre los productos culturales y las conversaciones públicas que dichos productos culturales detonan; otros escriben desde la trinchera de la apreciación audiovisual, evaluando valores de producción o radiografiando (desde su experiencia) los discursos artísticos.
También existen críticos que escriben para contribuir a la construcción de una memoria fílmica: al escribir de una película, dejan testimonio del momento histórico, cultural, social, mediático o político en el que una película se estrenó. Hay otros críticos que prefieren desgranar lo simbólico o reflexionar poéticamente; incluso, hay algunos muy arrogantes que se erigen a sí mismos como &#8220;educadores&#8221; del gusto popular. Y hay más, muchas más formas de hacer crítica profesional. Hay de todo, como en botica.
Algunas de esas formas de ejercer la crítica te gustarán; otras, no. Sin embargo, la crítica responde a la existencia misma de la obra artística. Los &#8220;críticos&#8221; más chafas se limitarán a decir &#8220;me gustó o no me gustó&#8221;, &#8220;es buena o es un churro&#8221;, &#8220;vela a ver o no la veas&#8221;. Empero, la crítica no cumple una labor exclusivamente orientativa ni utilitaria. El grueso de los críticos serios de cine, profesionales, suelen entregarnos textos que se sienten como hilos con los que se borda una parte del tejido cultural y social que se genera en torno a las obras fílmicas; articulan contextos, sentires y pensares en torno a lo cinematográfico.
“Super Mario Galaxy”, aunque sea una película hipercomercial y que le guste a los niños (que no infantil), no es inmune a ser de interés de la crítica, menos aún si constituye un fenómeno de masas tan notable. Menos aún si levanta pasiones tan airosas. Aquí no aplican ni las &#8220;estrellitas&#8221; de invencibilidad ni ningún otro &#8220;power up&#8221;. Tampoco se puede exigir que, selectivamente, sólo se le valoren ciertos atributos (la calidad de la animación), pero se le perdonen otros (el guion): no se puede ni se debe condicionar el ángulo de la crítica profesional.
La guerra entre &#8220;la opinión de la crítica&#8221; y &#8220;la opinión del público&#8221; que se ha construido en torno a “Super Mario Galaxy” (pero que no es exclusiva de este filme; sobran ejemplos de películas que han dividido a ambos &#8220;bandos&#8221;) se ve potenciada por el deseo de &#8220;tener la razón&#8221;. Se nos olvida que las opiniones a favor o en contra, positivas o negativas, coexisten siempre, que ambas no se cancelan las unas a las otras. En todo caso, alimentan el imaginario (fílmico y extrafílmico) de la cinta en cuestión.
En todo caso, resulta interesantísimo el fenómeno parasocial que se ha dado en torno a estas entrañables personas que no existen: Mario, Luigi, Peach, Rosalina, Toad, Bowser… Hay quien los defiende como si fueran miembros de su propia familia, como si fueran reales, hasta el punto de insultar a otras personas (que sí son reales) en el diferendo de opiniones. Yo, que conocí a Mario hace cuarenta años en mi NES, le tengo un afecto tremendo porque es parte fundamental de mi acervo cultural y de mi mosaico identitario; por tanto, es parte de quién soy.
Que me encantan estos personajes y que haya ido emocionadísimo a ver su nueva peli no ha sido un obstáculo para que “Super Mario Galaxy” me haya parecido una mala película que, al mismo tiempo, también fue un deleitoso estímulo para mi nostalgia.
Mi opinión de la cinta es concreta: Yoshi y Fox McCloud fueron los MVP de esa secuela desordenada, inconsecuente, vacía y churrigueresca. Su &#8220;fanservice&#8221; es un goce, pero yo sí necesito que ese &#8220;fanservice&#8221; venga acompañado de algo más. La cinta sacrifica guion, desarrollo de personajes, tema y sustancia para atascar sus 98 minutos con mil referencias que saturan cada encuadre. El fan en mí lo agradece, el cinéfilo lo padece. Tengo clarísimo que hemos ido al cine a pagar por ver un hiperproducido comercial de Nintendo. Ojalá fuera un comercial mejor contado, con menos lugares comunes y de emotividad más franca. Esto no es pedirle &#8220;peras al olmo&#8221;; es pedirle &#8220;cine al cine&#8221;, aunque sea cine comercial accesible.
Tener ambas cosas era posible: una peli que honrara al fandom y que, al mismo tiempo, tuviera un “filmmaking” logrado, al servicio de un relato cohesivo. ¿Por qué tendríamos que conformarnos con que la película de un personaje que fue crucial en nuestra formación “gamer” sea pura parafernalia, cuando dicha mitología ha probado que puede ser mucho más?
Al menos tenemos los videojuegos, me repito como consuelo tramposo.
Dicho todo lo anterior, y volviendo al presunto carácter &#8220;pueril&#8221; del relato, “Super Mario Galaxy” es lo que Hollywood denomina como &#8220;una película-evento&#8221;, de modo que la aspiración no es apelar exclusivamente al público infantil. Es una peli que busca a todos los demográficos, gamers o no gamers. Es, también, una producción que atrae en igual medida a los niños que hoy juegan a &#8220;Mario Bros&#8221; y a los adultos que lo jugaron en el pasado. Que la trama de la nueva peli sea inane y/o cándida es cosa aparte. Existen películas que sí son infantiles y que, al mismo tiempo, son increíblemente sustanciosas. Basta ya de hacer &#8220;chiquito&#8221; al cine infantil o de hacer películas &#8220;apenas resultonas&#8221; sólo porque una parte importante del público meta son los chavitos.
Se vale que te haya encantado “Super Mario Galaxy” por lo que es: porque te hizo gritar con cada cameo o referencia, porque en su sinsentido encontraste lo que ibas buscando, porque firmaste con gusto tu &#8220;contrato simbólico&#8221; para aceptarlo todo. Yo también lo he hecho. Sin embargo, también se vale (se necesita) criticar a “Super Mario Galaxy” con la rigidez que la crítica seria demanda, sobre todo porque es un producto cultural prominente. Se vale que haya gente a la que no les guste esta secuela. Al final, la relevancia de un producto cultural (fílmico, en este caso) difícilmente se define en el momento del estreno. La trascendencia se gana con el tiempo. Muchas películas muy celebradas en su presente han sido después desdeñadas; muchas películas lapidadas en su época ganaron trascendencia con el paso de los años. ¿Cuál será el destino de “Super Mario Galaxy”?

Mario contra la crítica

Mirza Flores

Al Estilo Jalisco: la mejor sede del Mundial

Juan Pablo Colín

Uno más

Miguel De La Rosa Figueroa

Responsabilidad ante la próxima alternancia en Jalisco

José Manuel Romo Parra

La Guadalajara de la que todo el mundo habla

Mi pecho no es bodega

Amar es un acto valiente y poderoso. Para quebrar el amor (su mística, su pureza, su júbilo apasionado) no hay nada mejor que sembrar miedo: temor ante el afecto del otro, pánico ante la presencia del otro, horror frente a lo amado. “Leviticus: Ritual de sangre” es la ópera prima de Adrian Chiarella, quien nos ofrece una historia sobre el desprecio por el amor ajeno, sobre las llamadas “terapias de conversión”, sobre homofobia disfrazada de afecto y cuidado, sobre el insufrible y condescendiente “es por tu bien”, sobre los obstáculos endemoniados que hay que sortear para alcanzar el cariño del ser amado.
Naim (Joe Bird) sostiene más que una amistad con Ryan (Stacy Clausen). Ambos forman parte de una comunidad muy apegada a su religión, así que mantienen su vínculo en secreto. Cuando Naim descubre a Ryan besándose con otro chico, decide acusarlos, exponerlos, situación que provoca que ambos sean sometidos a un extraño ritual para “purificarlos” de sus pecaminosos deseos. A partir de ese punto, una entidad sobrenatural e impía comenzará a acosarlos con un objetivo: que sientan miedo del amor.
De estética sencilla y envolvente (muy en sintonía con los arquetipos del llamado “terror elevado”, para quienes se fijen en esas etiquetas), “Leviticus” es cine de género ejecutado con precisión. En este caso, el terror nos inquieta y sobresalta no por el uso del “jumpscare” (recurso que incorpora con mesura, pero con tremenda efectividad) u otros artificios, sino porque nos emplaza en un camino de temas confrontativos, como la identidad y el deseo.
En la trama, los protagonistas se ven acorralados e intimidados por un entorno que tiene una consigna clara: coartar la identidad y el deseo, aunque eso implique la muerte de aquellos a quienes, supuestamente, se quiere “ayudar”. Así, Naim y Ryan son sometidos a eventos de violencia física, tormento emocional y dolor indescriptible; ambos tienen que lidiar con un demonio liberado por aquellos que no pueden concebir los afectos de la dupla estelar. Nuestros personajes afrontan los embates de quienes desean deshilarlos del tejido afectivo.
Estrenada con éxito en los festivales de Sundance, SXSW y Sidney, “Leviticus: Ritual de sangre” ha logrado erigirse como una de las películas de terror mejor reseñadas de 2026. Pero no esperes una narrativa tensional de librito. El filme de Chiarella es una pieza de cocción lenta que va del “no pasa nada” al “nos lo estamos jugando todo”, un relato donde el íncubo “queer” que ha sido conjurado quiere convertir la belleza inherente al sentir amor en un territorio de angustia perpetua, una propuesta rica en metáforas a la que no le importa abandonar la lógica o la consistencia argumental en pos de su discurso. Y funciona. Se le nota su compromiso. Sí, esta peli resulta muy recomendable.
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“Leviticus”: Sin miedo al amor