Arturo Garibay

Milly Alcock vuela alto, ofrece una interpretación sólida y de talante interplanetario para decirnos: &#8220;sí, yo también soy Supergirl&#8221;. La actriz australiana reclama el uniforme y la capa de este icónico personaje de DC con un reto complicado: estar a la altura de las actrices más prominentes que previamente han asumido el manto de la prima de Superman. Sobre todo porque, en su momento, cada una ha logrado darle su sello al personaje: Helen Slater en la película de 1984, Melissa Benoist en la serie de 2015 (y quien la ha interpretado por más tiempo que ninguna otra) y Sasha Calle en The Flash (2023).
Aplaudida como la joven Rhaenyra Targaryen en la primera temporada de La Casa del Dragón (HBO), Alcock tiene argumentos para ser también recordada como Kara Zor-El, la joven superviviente de la trágica destrucción del planeta Krypton. En Supergirl, la conoceremos justo cuando celebra su cumpleaños 23, yéndose de farra por la galaxia, acompañada de Krypto, su mascota superpoderosa. Su borrachera se verá interrumpida cuando Kara conozca a una chica de 13 años que busca venganza por la muerte de sus padres. Aunque renuente a ayudarla, Kara se involucrará cuando (al más puro estilo “John Wick”) su perro sea envenenado. El antídoto, claro, está en posesión del villano de la película.
Dirigida por Craig Gillespie, mejor conocido por la premiada “Yo, Tonya” y la exitosísima “Cruella”, la flamante Supergirl nos refrenda la capacidad de este cineasta para colaborar con sus actrices estelares. Lo que ya logró en mancuerna con Margot Robbie en la cinta sobre la infame patinadora o con Emma Stone en la cinta de la villana de Disney, ahora lo alcanza con Alcock en el contexto de una película de talante comercial, accesible y relajiento.
Por otro lado, Supergirl es una pieza de cine de superhéroes que intenta luchar contra el desgaste del género, cosa con la que todas las cintas de su estirpe batallan en la actualidad. En fondo y forma, claramente dialoga con los intereses estilísticos de su productor, James Gunn, actual líder del DCU, de tal modo que encontrarás un largometraje que comparte el tono de comedia sci-fi que el público contemporáneo asocia con el de los Guardianes de la Galaxia, un soundtrack fantástico y una estética maximalista. Llama la atención, en todo caso, la evidente relación que guarda el imaginario de esta Supergirl con el de la &#8220;ciencia ficción dura&#8221; para tratar de encontrar su diferenciador: la propuesta visual y la gradación fílmica de Supergirl recurren a las enseñanzas de tótems del género como “Star Wars”, “Dune”, “El quinto elemento” o “Mad Max”. La cinta de Gillespie se asume como una ciencia ficción colorida y consciente del legado de esa tradición cinematográfica, pero con un concepto despreocupado.
Entretenida, estridente y quinésica, sí, pero no inmune a la kriptonita argumental: a diferencia del Superman del año pasado, que nos presenta al héroe sumergido en un escenario político complejo donde hay dos territorios en conflicto y una clara disparidad de poder militar entre rivales, en Supergirl se siembra otro tema importante y de actualidad: nuestra heroína descubre que el villano de la película está traficando con jovencitas para venderlas al mejor postor. Sin embargo, la alegoría sobre el tráfico humano no florece. 
El conflicto que generaría más fricción en Kara (incapaz de asumir que la Tierra y la humanidad son ahora su &#8220;hogar&#8221;, desinteresada por la otredad porque prefiere el alcohol a la responsabilidad) queda relegado al segundo plano: se vuelve más importante salvar al perro; las &#8220;hijas robadas y desaparecidas&#8221;, las familias incompletas, son una misión casi colateral. Ahí es donde la cinta pierde fuerza, donde le dice adiós a la posibilidad de ser &#8220;más que el resto del cine de superhéroes&#8221;, donde la Kara inconformista, ruda y en busca de sentido, se ve mediada en su arco dramático. Hay un &#8220;temor&#8221; evidente al tratar de elevar la trama de Supergirl a los niveles que la protagonista merece. Y ya que estamos con los bemoles de este largometraje que dice tener alma rockera, el Lobo de Jason Momoa nomás está de puro adorno, poco aporta, incluso si él fuese la encarnación misma del famoso antihéroe.
Con todo, el saldo de Supergirl es a favor desde la trinchera del entretenimiento: la cinta divierte, Alcock cumple y el personaje tiene su propio fulgor. ¿Pudo ser una cinta más &#8220;poderosa&#8221; en su discurso? Sí. ¿La pasarás bien? Me atrevo a pensar que también.
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Arturo-Garibay

“Supergirl”: Entre la venganza y la ciencia ficción

Amar es un acto valiente y poderoso. Para quebrar el amor (su mística, su pureza, su júbilo apasionado) no hay nada mejor que sembrar miedo: temor ante el afecto del otro, pánico ante la presencia del otro, horror frente a lo amado. “Leviticus: Ritual de sangre” es la ópera prima de Adrian Chiarella, quien nos ofrece una historia sobre el desprecio por el amor ajeno, sobre las llamadas “terapias de conversión”, sobre homofobia disfrazada de afecto y cuidado, sobre el insufrible y condescendiente “es por tu bien”, sobre los obstáculos endemoniados que hay que sortear para alcanzar el cariño del ser amado.
Naim (Joe Bird) sostiene más que una amistad con Ryan (Stacy Clausen). Ambos forman parte de una comunidad muy apegada a su religión, así que mantienen su vínculo en secreto. Cuando Naim descubre a Ryan besándose con otro chico, decide acusarlos, exponerlos, situación que provoca que ambos sean sometidos a un extraño ritual para “purificarlos” de sus pecaminosos deseos. A partir de ese punto, una entidad sobrenatural e impía comenzará a acosarlos con un objetivo: que sientan miedo del amor.
De estética sencilla y envolvente (muy en sintonía con los arquetipos del llamado “terror elevado”, para quienes se fijen en esas etiquetas), “Leviticus” es cine de género ejecutado con precisión. En este caso, el terror nos inquieta y sobresalta no por el uso del “jumpscare” (recurso que incorpora con mesura, pero con tremenda efectividad) u otros artificios, sino porque nos emplaza en un camino de temas confrontativos, como la identidad y el deseo.
En la trama, los protagonistas se ven acorralados e intimidados por un entorno que tiene una consigna clara: coartar la identidad y el deseo, aunque eso implique la muerte de aquellos a quienes, supuestamente, se quiere “ayudar”. Así, Naim y Ryan son sometidos a eventos de violencia física, tormento emocional y dolor indescriptible; ambos tienen que lidiar con un demonio liberado por aquellos que no pueden concebir los afectos de la dupla estelar. Nuestros personajes afrontan los embates de quienes desean deshilarlos del tejido afectivo.
Estrenada con éxito en los festivales de Sundance, SXSW y Sidney, “Leviticus: Ritual de sangre” ha logrado erigirse como una de las películas de terror mejor reseñadas de 2026. Pero no esperes una narrativa tensional de librito. El filme de Chiarella es una pieza de cocción lenta que va del “no pasa nada” al “nos lo estamos jugando todo”, un relato donde el íncubo “queer” que ha sido conjurado quiere convertir la belleza inherente al sentir amor en un territorio de angustia perpetua, una propuesta rica en metáforas a la que no le importa abandonar la lógica o la consistencia argumental en pos de su discurso. Y funciona. Se le nota su compromiso. Sí, esta peli resulta muy recomendable.
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“Leviticus”: Sin miedo al amor

El papel que juega la música pop en nuestras vidas se ha consagrado como el sello distintivo en la filmografía del irlandés John Carney. El cineasta ha construido su obra en torno a personajes cuyos arcos dramáticos y relaciones interpersonales están marcados (¡siempre!) por un cancionero que no es decorativo ni atmosférico, sino esencial, justo como la música lo es a cada paso de la existencia. Hoy, Carney regresa con un nuevo largometraje: “Letras robadas” (“Power Ballad”), que ya está en cines.
Un cantante de bodas llamado Rick Power (Paul Rudd) conoce a una estrella del pop (Nick Jonas) en una fiesta. Entre copa y copa, comparten algunas canciones que han compuesto. Meses después, Rick escucha una canción que le suena familiar, lo que lo lleva a sospechar que el ídolo juvenil le robó la mejor de sus composiciones, que ahora es un hit global.
“Letras robadas” es una comedia “bonita”, agradable, cómoda, totalmente pop; justo lo que en Hollywood se etiqueta como “feel good movie” (una peli para sentirse bien) y “crowd-pleaser” (una peli que deja al gran público satisfecho). Ligera como es, la cinta ofrece un relato sobre el talento y la inspiración, sobre disyuntivas y decisiones que dejan marca (por ejemplo, la fama o la familia, el éxito o la honestidad), sobre la necesidad de ser vistos y valorados, sobre la forma en que la música más comercial nos recompensa (al crearla o, simplemente, al cantarla desde las tripas). Es, además, un retrato accesible de los claroscuros de la industria de la música. Digamos, pues, que es una película sobre las fantasías del pop.
Incluso si me parece que “Letras robadas” es una de las piezas menos poderosas en la filmografía de Carney, es una peli que se disfruta. El realizador mezcla temas nuevos (“How to Write a Song Without You”, “Dublin to L.A.”) con clásicos de gran alcance popular (“Celebration”, “Message in a Bottle”, “Maneater”, “I Wish”) para crear su cinta más asequible hasta el momento. Durante la proyección, se puede palpar en el ambiente que el público se la está pasando muy, muy bien.
El interés de Carney por la manera en que las canciones son inseparables de la experiencia cotidiana de vivir ha estado presente en toda su filmografía, incluso en su ópera prima “Viviendo al límite” (“On the Edge”), la cual no gira en torno a la música, pero que tiene sus sonidos muy bien puestos. En ella encontramos a un Cillian Murphy que interpreta a un joven suicida de 19 años. Su periplo emocional está acompañado por canciones de The Smashing Pumpkins, Pixies, Therapy?, The Jam, The Frames (que cobraría un rol importante en su futuro filmográfico), Supergrass, David Gray, Doves y hasta el himno cinematográfico “Singin’ in the Rain” de Gene Kelly.
En el resto de su filmografía, la música siempre es epicentro. “Once: Una vez” fue el filme que le abrió camino. En aquel bellísimo relato, un músico callejero (Glen Hansard, vocalista de la citada banda The Frames) conoce a una pianista (Markéta Irglová); ambos encuentran conexión gracias a una hermosa colección de canciones. De hecho, el tema “Falling Slowly” ganó el Óscar en su momento y estuvo nominado al Grammy.
En “Empezar otra vez” (“Begin Again”), Carney nos cuenta la historia de una cantautora y un ejecutivo de una disquera que intentan grabar un disco en espacios públicos de Nueva York. Tanto Keira Knightley como Mark Ruffalo hacen un sólido trabajo. La canción “Lost Stars” también tuvo nominación al Óscar y, además, este año se estrenará la versión “teatro musical” de esta película.
Eve Hewson (hija de Bono, de U2) protagoniza otra de las películas de Carney: “Flora y su hijo” (“Flora and Son”), que fue una de las favoritas de Sundance hace un par de años. En este filme, una joven madre soltera está batallando mucho con su hijo adolescente. Una vieja guitarra cambiará la vida de ambos en otra pieza sobre cómo las canciones nos permiten articular lo que no sabemos decir y volver a bordar lo que se ha desgarrado.
Cierro esta columna con la que bien podría ser el “magnum opus” de John Carney hasta el momento: “Sing Street”, este es tu momento. Aquel filme sobre un chamaco que decide formar un grupo de rock para impresionar a una chica tiene todo para trascender como clásico del cine popular. Ambientado en la década de 1980, el filme presume un soundtrack memorable, donde los temas originales se intercalan con clásicos de Duran Duran, The Cure y Hall &amp; Oates. Este 2026 se celebran los 10 años del estreno original de esta película y, por tal motivo, acaba de salir una edición especial de la banda sonora con dos canciones extra.
Si eres melómano pop, la filmografía de Carney es garantía. Sus películas son fáciles de ver, siempre tienen soundtracks fabulosos, entretienen muchísimo y te dejan un saborcito cálido. La mayoría están disponibles en streaming o en renta/venta digital. Con la excusa del estreno en cines de “Letras robadas”, este es el momento para que te pongas al día con la filmografía de este realizador dublinés.
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John Carney: Cine y canciones

Fui niño en los 80 y, claro que sí, fui &#8220;generación He-Man&#8221;. Vi las caricaturas de los “He-Man y los Amos del Universo” con fidelidad y jugué con sus &#8220;monos&#8221; hasta hartarme. Recuerdo que entre mis figuras originales estaban el Battle Armor He-Man, Skeletor, Man-At-Arms, Beast Man, Mer-Man y Faker, y ni qué decir de las figuras de &#8220;plástico tianguero&#8221;, que siempre fueron mis favoritas porque aguantaban toda la carrilla. Con esas se completaba la colección: Trap Jaw, Teela, Triclops, en fin. Los dibujos animados de la tele, las películas, los juguetes, los tiliches y el universo de dicha mitología dejaron su estampa en mi infancia y en tantísimas otras.
Dirigida por Travis Knight (“Kubo”, “Bumblebee”), llega una flamante aventura fílmica de los “Amos del Universo” que cuenta la historia de Adam, el príncipe de Eternia, quien crece exiliado en el planeta nativo de su madre: la Tierra. Sí, nuestra Tierra. Sin embargo, el joven logrará volver a casa para descubrir que Skeletor ha triunfado e impuesto su régimen de tiranía y maldad. Con la ayuda de Teela y Man-At-Arms, Adam descubrirá la magia de la Espada del Poder para enfrentar al villano y recuperar su mundo.
Inspirada en el universo creado y popularizado por la marca de juguetes Mattel, “Amos del Universo” es un relato divertidísimo, quinético y exuberante, pero también frívolo y discursivamente tibio. Se sabe que esto último me choca. Ya hemos discutido previamente en este espacio que una película puede ser descaradamente comercial, consumismo puro, y, al mismo tiempo, puede ofrecernos algo en su discurso. El filme de Knight arranca con dos promesas: que nos ofrecerá un relato sobre el significado del poder y sobre las distintas miradas y discusiones que se han gestado hoy en torno a la masculinidad. Ambas promesas se quedan en el aire, incompletas. Lo que Mattel hizo bien con “Barbie” (una exploración sobre la autoestima y lo femenino en el mundo contemporáneo), no lo logra en este caso, donde, además, tenía sentido hacerlo, pues imbuir &#8220;significado&#8221; y reflexión al entretenimiento era uno de los sellos originales de la serie animada ochentera.
Aun así, hay que reconocerle a Knight, Mattel, Amazon MGM y Sony Pictures la sólida intentona por sentar las bases de un nuevo cosmos diegético para He-Man y sus personajes. El largometraje ofrece un planteamiento original sobre un imaginario pop que ya conocemos bien. Empero, no sé si me convencieron del todo con el tratamiento dado a muchos personajes y/o elementos de la mitología original. Quizás los que más he resentido sean los relacionados con dos piedras angulares de la saga: los borradísimos Cringer y Orko. La verdad es que otras franquicias han hecho esto mejor: crear un lienzo propio para el escaparate cinematográfico mientras honran el legado. Aquí está logrado a medias.
“Amos del Universo” es un espectáculo de gran escala y decisiones creativas irregulares. La película es un dechado delirante de efectos especiales de calidades distintas: a veces, geniales; a veces, &#8220;chafas&#8221;. El filme quiere ser &#8220;camp&#8221;, quiere ser “kitsch”, quiere ser extravagante, quiere ser chabacano y regodearse en la estética de la fantasía ochentera, pero le da timidez meterse de lleno en ese terreno. Lo hace con temor. Además, mientras algunos personajes presumen conceptos dramáticos y acabados estéticos bastante buenos (Man-At-Arms, Skeletor, Beast-Man, Teela, Ram Man); otros rayan en el cosplay de mala calidad (a la que más se le nota es a Sorceress). Donde la película triunfa sin problemas es en el humor: los chistoretes son efectivos y la comedia &#8220;autorreferencial&#8221; funciona bien.
“He-Man y los Amos del Universo” (la mitología original) fue un relato sobre la lucha del bien contra el mal que muchos abrazamos&#8230; y seguimos abrazando. Representaba, también, una oportunidad para imaginar un mundo diferente, un mundo donde los seres más dispares y absurdos podían coincidir y coexistir, un mundo donde el tirano es sometido y castigado siempre, donde se libra la lucha por una justicia accesible para todos. Incluso hay personas que, gracias a aquella caricatura de fantasía, ciencia ficción y romanticismo planetario, recorrieron por primera vez los caminos del descubrimiento de la identidad.
Sí, “He-Man y los Amos del Universo” fueron importantes, trascendieron su propósito: ser un comercial de juguetes. Aquella historia terminó por crear un territorio común entre los niños de su época.
Tal vez por eso es que tengo una relación tirante con la nueva película: porque consigue entretener, pero rehúye la tradición trascendente (en un sentido &#8220;pop&#8221;) de su inolvidable material primigenio. Para mí, los “Amos del Universo” fueron más que un chistorete o una chabacanada: fueron juego e imaginación, fueron solaz, fueron motivo para tejer lazos con otros, para ser chiquillos que se maravillaban ante las hipérboles, las hazañas y la posibilidad de soñar con un mundo donde el bien siempre gana. Perdón si no me conformo con bromas fáciles, explosiones, ocurrencias y estridencias. Me entretengo, sí, pero no me conformo.

“Amos del Universo”: ¿Por el poder de Grayskull?

Fulminante. Un poeta, de Simón Mesa Soto, es un largometraje colombiano que te somete, una pieza sobre el deseo de &#8220;ser y existir&#8221; bajo los términos propios o, si no hay más remedio, vivir el éxito a través de los demás; sobre la dispareja relación entre voluntad y talento; sobre el fracaso y las malas decisiones, los demonios internos, la complejidad de los entramados familiares, los vericuetos y toxicidades del mundo del arte, sobre los sueños (míos y del otro), todo enclavado en una realidad social adversa que pone a sus personajes en un &#8220;cuesta arriba&#8221; perpetuo. Y, ciertamente, es una película que nos recuerda aquella frase del De nugis curialium que dice: &#8220;No dejarás buena acción sin castigo, ni mala sin recompensa&#8221;.
Óscar es un poeta alcohólico, divorciado, desempleado, que todavía vive en casa de su madre bajo la excusa de que la está cuidando. Él quiere dedicarse de tiempo completo a la poesía, pero su talento es puesto en tela de juicio. A regañadientes, Óscar acepta trabajar como profesor en una secundaria, donde conocerá a Yurlady, una chica de bajos recursos, consumida por su compleja realidad social, que tiene un talento innato para la poesía. Nuestro protagonista tomará como cruzada personal convertir a Yurlady en el próximo fenómeno de la poesía en su ciudad.
Ubeimar Ríos es el encargado de interpretar al protagonista. Lo hace de manera contundente, con una entereza y convicción asombrosas. Ríos no es actor profesional. Es un profesor antioqueño que gusta de la poesía (cosa que comparte con su personaje), un padre de familia que aprecia la cultura.
Un poeta recorre los vericuetos de la comedia y el drama social; el resultado es un relato agridulce, de tristezas que buscan la posibilidad de un poema feliz. Por un lado, encontramos a un Óscar sumergido en el fango de su fracaso, de su impotencia, oprimido por sí mismo y por un entorno que no le deja espacio para maniobrar por la vida. En tanto, Yurlady atraviesa la pubertad como cualquiera: con dudas, con desinterés, con el desánimo que le inyecta el mundo agreste que habita; una juventud contenida. Óscar asume que Yurlady es su misión porque podrá, a través de ella, experimentar algo cercano a un triunfo. Sí, te lo has imaginado bien: eso solo puede terminar mal.
La disparatada circunspección de Un poeta nos lleva a internarnos en un largometraje de severidad contundente y de absurdos corrosivos. Mesa Soto recurre a los recursos de la sátira para hacer papilla a su protagonista y, de paso, a la audiencia, por todas las cosas —y decisiones— de Óscar que podemos encontrar (o que alguna vez existieron) en nosotros mismos. El protagonista es desacreditado para mostrar que el premio o el castigo por nuestras acciones a veces llega por ruleta. ¿Tras tantos días sombríos, puede de pronto salir el sol?
Con un trabajo de cinefotografía encomiable a cargo de Juan Sarmiento, quien hace &#8220;poesía&#8221; con el formato de 16 mm, Un poeta es una propuesta muy entera de cine latinoamericano que ya se encuentra en streaming. “Heme aquí, un hombre, anticuado dinosaurio, merecedor de condenas [&#8230;] Más no pierdan su fe en este poeta triste…”

Un poeta”: Fallar es humano

Una noche infernal es lo que viven una madre y sus hijos en “No dejes a los niños solos”, el nuevo filme de Emilio Portes. Esta película mexicana ofrece una experiencia de cine de terror sin concesiones, que empuja a sus personajes hasta el quiebre total, acercándolos a un destino aciago y, de paso, dejando perplejos a los espectadores.
Catalina (Ana Serradilla) es una madre soltera que acaba de mudarse con sus dos hijos (Ricardo Galina y Juan Pablo Velasco) a la casa que acaban de comprar. Una noche, la joven viuda tiene que salir para atender un asunto muy, muy importante para el futuro de su familia. Por tal motivo, tendrá que dejar a los chicos solos en casa por un par de horas. Tanto la madre como sus niños vivirán su propia noche de horrores conforme se vayan revelando los secretos de la propiedad.
El director de “Pastorela y Belzebuth” asume con entereza los riesgos y osadías de su nuevo filme, sobre todo en lo concerniente al hilo trágico que zurce la vida de sus protagonistas. Así, “No dejes a los niños solos” se erige como un relato rebosante de desconcierto y de peligros latentes, donde el carácter preternatural de la amenaza coexiste con peligros más terrenales: desde las intenciones y ardides ajenos hasta las animosidades de la convivencia cotidiana en los territorios domésticos.
Para crear un entorno familiar inflamable, Portes no se conforma con explorar los dispositivos de las historias de &#8220;casa embrujada&#8221;; también articula a sus personajes con rasgos dolorosamente reconocibles: el trauma (un evento del pasado ha dejado una cicatriz en madre e hijos), el vacío que deja la ausencia del otro, las expectativas (como las que recaen en las madres solteras o en los hermanos mayores) y las angustias que se producen cuando tomamos una mala decisión que conlleva consecuencias desproporcionadas.
Además, “No dejes a los niños solos” es una pieza sobre la batalla campal por ser &#8220;el hijo favorito&#8221;, etiqueta que lleva una carga de fantasía y pesadilla en igual medida. Freud dijo que &#8220;el hijo favorito conserva el sentimiento del conquistador&#8221;: se libran batallas por ese sentimiento, por ganar el territorio afectivo, por estar en el epicentro de la atención materna o paterna, por ser aquel que recibe un amor sin diezmos, sin reservas. Ese impulso coloca a muchos en posición de ataque. En el contexto del favoritismo y de la expectativa, el director de “El crimen del Cácaro Gumaro” dota a los personajes de atributos tan entrañables como repelentes. Es fácil apreciar y despreciar a un personaje de una escena a otra, incluyendo a los chavitos. La fricción es constante.
Si eres amante del cine de género y/o ya tienes una relación previa con el cine de Emilio Portes, esta película es para ti. Si estás buscando terror mexicano que apuesta por el atrevimiento, lo mismo aplica.

Tensión en casa: “No dejes a los niños solos”

“La misteriosa mirada del flamenco”, de Diego Céspedes, guarda enigmas de amor y dolor; sobre todo, de amor. El filme, premiado el año pasado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, es crudo y poético a la vez. Su propuesta formal es la de recorrer los vericuetos del cine de maduración, así como del melodrama “queer” (y hasta del wéstern), propagando su mensaje como un hechizo.
Ambientada en un pueblo minero en el Chile de 1982, este relato coral utiliza como pilastra emocional a Lidia, la única niña de su comunidad. La chica vive con su madre (Flamenco) y un grupo de travestis en una casa de mala reputación. A todas ellas se les acusa de ser las causantes de propagar una maldición desconocida usando el maligno poder de sus miradas. Un amante resentido provocará una tragedia que marcará el futuro de nuestros personajes. ¿Qué se hace con semejante dolor? ¿Puede el amor abrirse paso cuando el deseo de venganza crece por dentro?
De acabado visual magnético, tono atrapante y argumento estimulante, “La misteriosa mirada del flamenco” explora los albores de la crisis del SIDA, mezclando tragedia y fantasía; violencia y sororidad; rechazo y lazos afectivos. Es una pieza que utiliza la manta de la ternura para arroparnos en el universo de sus singulares personajes, quienes eligen forjar un lazo irrompible, una trinchera contra un mundo hostil, abiertas a la redención del otro y al perdón.
El largometraje de Céspedes, aun en sus momentos más oscuros, apuesta por el poder de la mirada y todas las cosas que puedes encontrar en ella cuando observas a los que te rodean más allá de la superficie: es un filme sobre la búsqueda de la bondad y sobre cómo, juntos, podemos cambiar nuestra suerte. Es una película que invita a no dejar de amar, ni con el cuerpo, ni con las palabras, ni con el corazón… ni con la fuerza de tus ojos.

“La misteriosa mirada del flamenco”: Un hechizo de amor y dolor

Se sabe que, si se estrena una película sobre “bucles” o “time loops”, voy a ir corriendo a verla. Las historias de bucles me parecen siempre interesantísimas (incluso aquellas que podrían no estar tan bien logradas) porque nos permiten experimentar algo que es imposible en la vida real: tener una oportunidad adicional para afrontar un momento maltrecho de nuestra vida con la esperanza de, ahora sí, no meter la pata.
No importa si se trata de una comedia como “Groundhog Day: Hechizo del tiempo”, de una aventura de ciencia ficción como “Al filo del mañana” o de una jornada aterradora como “Feliz día de tu muerte”. En todos los casos, el protagonista afronta la “maldición” de estar atrapado en un ciclo sin fin. Detrás de tal predicamento se esconde la oportunidad de poder modificar los errores previamente cometidos y de reinventar —reimaginar— la propia historia.
Dicho de otro modo, del otro lado del “loop” casi siempre le espera al “prota” algo parecido a la liberación, la emancipación, el aprendizaje, la supervivencia, la transformación. Lo más nuevo del “cine de bucle” que ha llegado a la cartelera local es el largometraje japonés “Exit 8”.
Un hombre que viaja en metro rumbo al trabajo carga con una culpa. Al tratar de abandonar la estación, descubrirá que le resulta imposible llegar a la salida. Los pasillos parecen repetirse hasta que encuentra un letrero con instrucciones: debe caminar siempre hacia adelante; sin embargo, si encuentra una “anomalía” en su trayecto, debe dar marcha atrás.
“Exit 8” es una pieza en la que conviven recursos de la ciencia ficción y el terror psicológico: nuestro personaje central parece incapaz de superar sus fallos, sus flaquezas, su indecisión e, incluso, sus dolencias físicas. Este personaje, hay que decirlo, a veces puede resultar frustrante. Empero, los amantes del cine de género encontrarán en este filme dirigido por Genki Kawamura (productor de las aclamadísimas “Monster” y “Your Name”) una aventura entretenida que entrega lo que su premisa promete.
Estrenada en la competencia oficial de Sitges (el festival de cine de fantasía más importante del mundo), “Exit 8” es bucle total. Es cierto que hay aspectos de su mecánica interna y del desempeño de sus personajes que pueden ser cuestionados, pero la atmósfera general que la cinta entrega está bastante lograda: si se lo permites, puedes quedar atrapado también.

“Exit 8”: Otra vez un bucle

Hiram Espinoza de los Monteros

Certidumbre en negociación

Miguel De La Rosa Figueroa

El triunfo del Pueblo

Jonás

México sin el T-MEC

Mirza Flores

Guadalajara, el corazón del Mundial

Juan Pablo Colín

Pasando el Mundial, viene la realidad de Jalisco

“Moscas” de Fernando Eimbcke (“Temporada de patos”, “Lake Tahoe”, “Club sándwich”) es un relato sobre quedarse solo, saberse y/o sentirse solo&#8230; pero también sobre descubrirse súbitamente acompañado. Es, además, una pieza sobre esos momentos fulminantes que amenazan con terminar con la inocencia, que casi prometen el fin de la infancia, aunque aquí la infancia resiste, lucha por mantenerse inocente; es una historia sobre esas heridas que nos acompañan durante toda la vida, incluso sin darnos cuenta, hasta que de pronto se nos revela que siguen ahí, abiertas y supurantes. Es una cinta sobre vínculos inesperados, sobre encontrar solaz, compañía y respiro en el otro.
Debido a un gasto imprevisto, una mujer no tiene más remedio que poner en renta una recámara de su departamento. Su primer inquilino temporal es un hombre que tiene internado a un familiar en el hospital de enfrente. Al hombre lo acompaña su hijo, un chico increíblemente carismático e indomable, porfiado y avispado, que es buenísimo para jugar a cierto videojuego retro. Entre la señora de ánimos exiguos y el chamaco surgirá un lazo singular.
Bellamente filmada en blanco y negro (la cinefotografía de María Secco no tiene desperdicio), “Moscas” es un “coming-of-age” parsimonioso que te magnetiza; que va del &#8220;no pasa nada&#8221; a ser una delicia de emotividad palpable. Sí, el “filmmaking” de su director en estado de madurez total.
El largometraje de Eimbcke ofrece, además, puras interpretaciones de galardón, auténticas y solventes. Teresita Sánchez es, como de costumbre, una presencia que, incluso desde la contención, nos regala un trabajo de gran potencia interpretativa. Enrique Arreola y Hugo Ramírez hacen también lo propio. Pero la verdadera estrella del filme es el joven Bastian Escobar, quien interpreta a Cristian. Su encanto es irresistible; su actuación y personalidad son sustantivas para que la película se eleve como lo hace. Una mirada, un gesto, un movimiento, un desplante… Escobar necesita de poco para tenernos en la bolsa.
Ciertamente, se antoja que “Moscas” figure en la cúspide de la filmografía de Eimbcke, junto a “Temporada de patos”, es de lo mejor que ha hecho. Estrenada en la competencia de la Berlinale y proyectada hace un par de meses como película de apertura del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, “Moscas” es una película discreta, contenida, pero también magnífica: un filme sobre vacíos interiores (íntimos) y sobre vacíos cósmicos, sobre invasores espaciales de videojuego e invasores terrenales e invencibles, sobre una infancia y una adultez que inesperadamente se encuentran para entretejerse. Vale un montón la pena y creo que podemos decir que seguro trascenderá como una de las mejores películas mexicanas de 2026.

“Moscas”: Invasores de la soledad